Once in dark rooms

知らないアートを見て、理解するまでのプロセス（日本のアートが世界に理解されるプロセス）

2012-01-16T17:44:00.000-05:00

昨日は、終日氷点下という極寒の中、友人のTakashi Horisakiさんが参加するSculpture Centerのグループ展のオープニングに行って彼の素晴らしい新作を見たあと、マンハッタンのラーメン屋で晩ご飯を食べていると、となりの若者4人組みがアートについているのを耳にして聞いていると、多分ビジネス系であろうと思われる4人の内の一人の女性が、最近見た抽象絵画の展覧会のことを話したあとに、別の男性が「抽象絵画ってモダンアートのこと？モネとかああいうのだよね？最近友達と話していて合意に達したんだけど、モダンアートって詐欺みたいなもんだと思うんだ。」ていう返しをしているのを聞いて、苦笑しつつも、よく考えてみるとこの会話はアートに関わる人にとってみれば文章自体が語義矛盾で、ちぐはぐだと思うかもしれないけど、ある程度の教育を受けていても普通の人の感覚ってそんな感じなのかなあとなんだが少し考えさせられた。

いわゆる「現代アートはわからない」ということとほぼ同じ思考プロセスだと思うし、また自分のような深くアートに関わっている人にとっても部分的に、自分が知らない、自分が見たことがない作品、作家を見るときに、意識的、無意識的にこれをやりがちだ。これを考えていくと、そもそも逆にある作品、作家をいいと思うこと、わかることってどういうことだろうなあと自分でも日々考えていることにつながる。また、その延長として、どうすれば日本のコンテンポラリーアートは世界に入っていけるのかということにも通じると思う。

自分が世界有数のアートアドバイザーのアラン・シュワルツマンに美術手帖 2012年 01月号でインタビューさせてもらった時に、誌面の都合で、泣く泣くカットせざるを得なかった箇所で、実はアートを見るプロ中のプロの彼が、あまり好きでは無かった村上隆の作品を本当に理解できたと思うにいたるプロセスと、（村上隆と違って）世界に知られていない日本の作家が世界のアートマーケットに入っていく難しさについて真摯に語ってくれた。これは今の日本のアートシーンが海外で受容されるための大きなヒントになるように感じた。誌面ではP104からP109でアートアドバイザーについて基本的なことと、彼の２つの大クライアントについて、そしてそのうちの一つのアメリカのコレクターが具体の白髪一雄などをコレクションし始めていることなどを語ってくれているが、それに続いて、下記掲載できなかった部分。

日本には行かれたことがありますか？

最初は20年ほど前に、MIHO美術館のオープニングに招待されて一瞬ですが、日本に行って、記事を書きました。実はその後、直接ビルバオに行ったんです。ちょうどビルバオのグッゲンハイム美術館が数日後にオープンしたんですよね。1週間に2つも美術館がオープンするなんてとても珍しいことですよね。次はRachofsky家と一緒に確か5年ほど前に、直島に行きました。理由は、金沢の21世紀美術館でのマシュー・バーニー展のオープニングでした。私たちはアートと同じくらい建築に興味があり、Sanaaのこの美術館も見ておきたかったのです。そのときは、金沢、京都、東京、直島に行きました。そして今回3度目の日本ですね。

日本のコンテンポラリーアートは見ますか？

正直、自分の日本のアートの知識にはムラがあると思います。世界のアートマーケットで成功している日本人アーティストはこれまであまり自分の興味に入ってきませんでした。しかし、その前置きをした上で、自分のクライアントのアートコレクションは全て全然違うものです。そして私は、自分のある一定の趣味をコレクションに持ち込むというよりは、それぞれのコレクションを見た上で、それぞれのユニークアイデンティティを作り出すように働きかけるようにしてきました。それで、ときによっては、自分がいつもだと反応しないような作品、作家を強制的に見せられて、自分の趣味ではないかもしれないけれど、その面白さを発見することはありました。それがまさに自分にとって村上でした。当初、私は村上の作品に自分では反応しませんでした。もちろん、彼が非常に重要で、そして影響力がある作家であり、とてもしっかりした背景、アイデア、思考プロセスの結合として作品が生み出されているということは理解していました。LA MOCAでレトロスペクティブがあった際に村上をLAで取り扱っているディーラーのティム・ブラムに、「彼の作品を一番理解しているのは君だと思う。この展覧会を案内しながら、作品について僕に説明してくれないか。村上を理解する別の入り口のようなものに導いてくれないかと。」頼んだんです。その際に、彼が自分にとっての村上のドアを開けてくれたんです。そして、作品の根底にあるものを理解し、自分個人として村上の作品にコネクトすることができ、わかりはじめたんです。そして、数年前に自分のクライアントのコレクターの一人が、村上の作品をコレクションすることに非常に興味を持ち始めたんです。そして、また、偶然ローマに行ったときに、そこのガゴシアンギャラリーで彼の展覧会を見たんです。数点のとても大きな絵画でした。そこで、はじめてとても個人的な反応があったんです。彼の作品に対しては一度もそういう反応は無かったんです。それまでは、もっと知的なレイヤーでか、もしくは感情的な反応はありました。でも、ここではじめてとても直感的で理屈抜きの反応があったんです。これで完全にドアがあいて、全てが変わりました。それで、アドバイザーとして自分のクライアントに責任を持って彼を勧めることができるようになった入り口になったんです。これまで自分達がフォーカスしてきた日本の50年代、60年代のアートは、とても特別な歴史的なルーツからきていて、ある線の上を動いてきています。そして、村上の作品はまた別のラインから来ていて、自分としてまだわかりませんが、あるプロセスの中で、それらが交わる点を見つけられるような気がしているんです。本当に個人的な希望的観測ですが、これらのことで、全く違った観点から日本のコンテンポラリーアートを理解することにつながるのではないかと感じています。これまで、しっかり日本のコンテンポラリーアートを見る機会に恵まれてきませんでした。見てきたものと言えば、国際的な場における展覧会の中でしか見てきていないので、まだまだ文化的根底から理解しているとは言えないと思います。

日本の若手アーティストや、ギャラリーからよく、世界の大きなアートシーンに入っていくにはどうすればいいのかという質問を受けます。実際、村上隆は自らニューヨークで成功しましたが、奈良、村上以降、あまり日本から世界で成功するアーティストが出ていないのも事実です。日本は今だに大国で多数のアーティストもいるのですが、世界におけるブラインドスポットになっているような気がしています。日本の多くのアート業界の人々がどうすればいいのかわからない状況です。その状況についてどうアドバイスいただけますか？

これはとても面白いジレンマです。今、どうして自分達が白髪の作品を真剣に見始めているのでしょうか。今までも真剣に見ている人はいましたが、とても小さな世界でした。それが、どうして突然、ずっと大きなアメリカ、ヨーロッパのマーケットにとって意味ができはじめてきたんでしょうか。これは、私たちが今どこにいて、どういう歴史的大局観を持っているかに関係があると思います。作品は、ずっとそこにあって同じ作品なわけです。私がこの作品に届くまでこんなに長い時間かかるべきではないのですが、実際にはかかりました。これはなんというか不思議な条件の集まりなのですが、時期がいつで、自分達自信の文化を見る見方にも同じことがいえます。ポール・マッカーシーがいい例です。生きている作家の中で一番重要な作家の一人ですが、ロサンゼルスの一部のアーティストコミュニティ以外の、アートワールド全体に真剣に評価されたのは、彼が活動をはじめて30年経ったあとでした。その数十年の活動のあと、突然彼の作品の重要さ、深さなどが理解されはじめたんです。とはいえ、一般的にその作家が日本人であれ、イタリア人であれ、ブルックリン出身だろうと、若い作家がある一定の認知を得はじめるのは、その作品を心から理解して、信じている誰かがいるからです。そしてその誰かが、別の誰かを知っていて、別の誰かを何らかの形で説得してという繋がりです。如何にこういうことが起こっていくかのこのプロセスは自分にもとても不思議なものです。自分がキュレーターだったころは、自分はその作品についてそして、その根底にあるものを理解していて、どこで誰に見せようか美術館のキュレーターに見せるか、オルタナティブスペースに持っていくか、そうすると、誰かが別の誰かに電話してその人が別の誰かに電話して、ドアが開くかなあと考えて活動していましたが、結局のところ、そこに自分が投入する努力だけではだめで、最後はタイミングというか、その時代が、その作品を見るのに準備ができているかどうかということなんですかね。ときどき、あるそこそこエスタブリッシュされた作家で、一定の期間マーケットにいる作家によるしっかりしたいい作品で、なんとなく直感的に、これは皆が思うよりも重要で、貴重な作品だと感じることがあるんですね。そして、それが20万ドルで売れて、別の同じような作家の作品が200万ドルもすることに合理的な理由はないんです。これが直感的に絶好の好機なんです。そして、ある時、マーケットが作動するというか、スイッチが入るんですね。そうするともう好機ではなくなっているんです。それがいつ来るか、なぜなのかわからないんですが、起こるのです。だから、アーティストは、ディーラーか、キュレーターか、パトロンか誰か自分のことを理解してくれ、情熱も持ってくれて、そしてコネクションが充実している誰かを持つ必要があって、その誰かが外の世界とのリンクを形成してくれるのです。

村上隆の場合でさえ、その名前、作品を知っているところから何かが彼の中でクリックして、直感的に理解するまでに色々な段階（偶然いくつかの作品を見る、それをよく知っている人に説明してもらう、そしてまたいくつも作品を目にする、ある所でクリックする）を経ていることがわかる。このクリックするというのは難しいが、自分なりに言葉にすると、それまで受容してきたたくさんのその作品、作家に対するテキスト、ビジュアルの情報などが自分の脳の中で無意識的にいくつもの結節点をつくっていき、それがある一定の数に達したときに何か発見したような気になるという感覚かなと思う。日本で有名な作家の多くはみな日本のギャラリーに所属していて、他の国のギャラリーに所属していない場合が多い。もちろん、海外のギャラリーに所属しようとがんばるけどなかなか実現しないという場合もあれば、日本のギャラリーに全て任せてあるから大丈夫というような場合も多いのではないだろうか。でも海外のマーケットに出て行く（海外のコレクター、キュレーター、アドバイザー、批評家達に見てもらって、知ってもらう）ためには、彼らが作品をしっかり見れる機会を増やすことが大事で、アートフェアだけでは全くもって不十分（そもそもギャラリーでの個展とアートフェアでの展示は見せ方も、見る側のメンタリティも全く違う）だ。そのためには欧米のしっかりしたギャラリーに所属するべきだし、その努力をアーティストもするべきだろう。日本のギャラリーとしては、アートフェアなんかで海外の他のギャラリーともできるだけコンタクトをとって、ゆるやかなパートナーシップのようなものをむすんで作家スワップのようなことをして、積極的に作家を他国で見せていくようにしかけていくべきではないだろうか。

NYにおけるアート本・カタログの売り買い事情

2012-01-14T17:47:00.001-05:00

写真はEV GRIEVEよりMast Books店頭

11月末に1年半住んだイーストビレッジのアパートからブルックリンのサンセットパーク地区に引っ越したのだが、アートのプレスということで、日頃からカタログなどをもらうことも多く、かなりの量になっていたので、捨てるのも忍びないしと重い、結構な量の本（主にアート関係）を古本屋に持っていった。最初は1箇所に持って行ってそこで引きとってくれなかったら捨てようと思っていたのだが、最初のところが意外と高く買ってくれたのと、アート本の価値について興味がわいたので、最終的には3箇所に持っていった。

まずは、イーストビレッジに昔からある老舗の古本屋のEast Village Books、文化一般幅広い書籍や音楽CDも売っている。

East Village Books
99 St. Mark's Place (between Ave. A & First Ave. in Manhattan)
New York, NY 10009
(212) 477-8647

その次に行ったのが、Avenue Aに最近できたセレクションがかなりいいアート古本屋のMast Books。

Mast Books
66 Avenue A
New York, NY 10009
Between 4th & 5th Streets

そして、4th Avenue沿いのAlabaster Bookshopここも文化関係を中心に多様な品ぞろえ。

Alabaster Bookshop
122 Fourth Ave., New York, NY 10003
nr. 12th St.
212-982-3550

本、特にアートのカタログなんかはかなり重いので、10冊くらいをリュックに入れると限界。最初のEast Village Booksでは、半分くらいを引きとってくれて30ドル弱。悪くない、中でもある若手中国人作家のジンのようなアーティストブックが、これは売れないかもなあと思っていたら、実は10ドルで引きとってくれてかなり驚いて、次の日に別の本を持って行くとちゃっかり200ドルの値札がついて一番いいところで売られている、、、。ここでは店員はまず本をざっと見て、間違いなく買わないのだけよけて、その後買うかもしれないのをオンラインのデータベースを見て価格を決めていく。結構セレクションは厳しい。ただ、店員がアートのことをすごくよく知っているというわけではなさそう。データベース頼み。

次のMast Booksはさらにセレクションが厳しく、アートプロフェッショナル的にホットであったり、有名な作家のモノグラフか著名な作家のフィクション、哲学書などしか買ってくれない。ここは店員がアートシーンをよく知っていて（たしか元ガゴシアンギャラリーで働いてた人がはじめたという話を聞いたような）、最後の最後にオンラインのデータベースで確認する程度。

そしてはじめの2店に何回も行って結構あまったなあと思って、だめもとでAlabaster Bookshopに行くと、ここは全ての本を片っ端からオンラインのデータベースで調べて、そこでの販売価格の10％の現金（若干交渉の余地はあった）か20％のストアクレジット（その店で別の古本を買えるクレジット）にしてくれた。値段がつかない本（つまりオンラインのデータベースで1ドルになっていてしかも何点も出点されている）なんかも50セントなんかで引きとってくれた。若い店員さんがかなり気さくで、店頭に結構日本の古美術のカタログなんかもならんでいて聞くと、彼は最近コロンビア大学を出たばかりで、大学で日本美術史の授業を受けていたからだとのこと。本好きだからいいけど、ちゃんとした仕事を探し中だ的なことも言っていた。

結局100冊近くを3店舗で下取りしてもらって色々わかったのだが、まず通常の小説や文芸書などはクラシックな名著であってもほとんど値段がつかない。これは完全に電子書籍、電子リーダーの普及の影響だとのこと。しかし、アート本はほとんど電子書籍化されていないし、中小の出版社が細々と出していたりギャラリーの自費出版的なものが多く、種類も多いので、逆にニッチに流通しているようで古本の値段がかなり高いのだ。推測でしか無いが、アートコレクターにとって数百万、数千万円のアート作品を買う前に、予習のために数万円の資料性の高いモノグラフ、カタログを買ったり、ほぼ作品のようなジンを数万円で買う価値は十分にあるのだろう。

今までオンラインのデータベースとやや抽象的に書いてきたが、アマゾン含めて皆が使うのは2,3種類で、どの書店の店員もまずいくのがAbebooks というサイトで、これは世界中の（日本は入ってない）古本屋が加盟して、主に古本の売り買いをしているサイト。かなりマイナーな本（本というかジンというかみたいな体裁のアート本なども）まで出てくる。店先は小さく古い感じのEast Village Booksが高額（買取価格数ドルー10ドル、つまり販売価格数十ドルから数百ドル）の本を買い取ってくれたときに、あまり客の入りもよくないこの店でちゃんと在庫はけるのかなあと感じたのだが、今から考えると、このAbebooksのようなメインはBtoBのexchangeサイトのおかげで、全米、もっと言えば世界中のどこかである一人が高いお金を出してでもほしいと思う本であれば、在庫に持っていてもオンライン経由で売れていくのだろう。つまり、一見昔ながらの古本屋にみえて、その実は通りがかりの客も入ることができる在庫倉庫みたいなものにかわりつつあるようだ。だから逆にそういう店では大量に流通していてどこにでもある小説なんかは引きとってくれない。Alabaster Bookshopは大通りに面していてそれなりに客の入りもあるので、レアなアート本と多く流通している安い本も引きとってくれる。アマゾンの巨大化にともなって書店チェーンが倒産したりしていく中で、逆にこういうニッチな個人店舗は、アマゾンの巨大流通倉庫＋輸送料よりもずっとローコストな（つまり、店頭に安い給料の店員が一人だけいて、客が持ってきた古本を査定して必要なものだけ下取りして、店頭とオンライン両方で売っていく）この構造でやっていけているんだなあと感心してしまった。先に、店というよりは在庫倉庫になりつつあるニッチ古本屋と書いたが、店頭が無くなってオンラインショップになってしまわない理由の一つは、店頭が実は買う客向けよりは良質の在庫を売りに来る客獲得に向いているからじゃないかとまで感じる。どちらにせよ、テッククランチの「シリコンバレーのわれわれは雇用を殺し, 富める者を肥大させているのか？」の記事を思い出した。ロングテールで一つの独占企業が勝って、あとの中小はどんどん死に絶えていくというではなくて、小のところはしっかりニッチにアジャストすればロングテールのテール部分をどんどん伸ばしていく方向でやっていけるのかなと感じさせてくれる。

ちなみに、少しだけ古着もBuffalo Exchangeというところに持っていった。さすがに古着はオンラインデータベースみたいなのは無いので、店員が経験と勘で、その場で店頭での再販売価格を決める。ここはブランドというよりは、その服が綺麗かどうか、デザインがカジュアルで若いかどうかが決め手のようだった。この店では、その再販売価格の30%を現金で受け取るか、50%のストアクレジットにしてくれる。客もその店に来た人が買っていくというもの。昔ながらの古着ビジネスだが、本の換金率（10%）よりもかなりいい。ファーストファッションの影響か、人々の服を買い換えるサイクルが早くなっている中で、こういう業態も以前より以外のいいのかもしれない。

Buffalo Exchange
332 E. 11th Street, East Village, New York, NY
Between 1st and 2nd Avenues
(212) 260-9340

結果的に、大量の本と少しの服で結局2,3百ドルにもなった。これにはかなり驚きで、10年前であればほとんどニッチ過ぎて値段がつかなかったであろうと思うと久しぶりにインターネットはすごいなあと思う。自分は今回全くネットで売り買いしていないにも関わらず。さて、このAbebooksに近いようなことをアート業界でやろうとしていたのがArt.syなのだが、もうかれこれ2年近く経つがサイトがスタートしない、、、。色々とオンライン上だけでたくさんのことをやろうとして、バランスがとれなくなっているのかな。Abebooksみたいな割り切ったセカンダリーギャラリー同士のexchangeサイト誰かやらないかな。セカンダリーは何かと不透明で批判の対象になるけれど、皆がこのようなexchangeサイトを使うことで、セカンダリーの取引がある程度透明になると思うのだが。サイト自体の仕組みはそれほど難しくないだろうけど、B to B、B to Cともに多くの人に使ってもらう最初の巻き込み、立ち上げが一番難しいだろうなあ。

美術手帖2012年1月号「Global Art Market Now: 世界のアートマーケット」に執筆

2012-01-13T13:15:00.011-05:00

明けましておめでとうございます。

Photo by Aneta Glinkowska

現在、書店に並んでいる美術手帖1月号で、なんと総計27ページ分も担当したので、ここで簡単に紹介させていただいて、是非ご覧いただければと。この号は表題が「Global Art Market: 世界のアートマーケット」で、美術批評が中心であった美術手帖としてはかなり珍しいアートマーケットについての特集号。書店にならんでほぼ１ヶ月弱が経ち、もう次号が並びそうなタイミングだけれど、編集長によると内容についての評判も、そして売り上げも通常よりいいとのこと。日本でもアートマーケットについての情報がかなり強く求められているということだろう。

美術手帖 2012年 01月号 [雑誌]

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11月に村上隆の呼び掛けで行われた震災復興のためのチャリティーオークション「New Day」について、2000年以降のアートマーケットの概要について、アートマーケットにおける重要人物へのインタビュー、そして成長するアジアマーケットについてと幅広く、そしてしっかり掘り下げて現状のアートマーケットがわかる内容になっている。

その中で、自分が担当したのは下記7本計27ページの記事。

- New Day 「プレビュー記者会見レポート」P.17
　開催1週間前に行われたプレビューに出席していた奈良美智、タカノ綾など作家紹介をメインに。

- New Dayのクリスティーズ担当者「Koji Inoue」へのインタビューP.20-21
　クリスティーズのスペシャリストにNew Dayについてと、そもそもスペシャリストの仕事について。

- New Day開催前に雨ニモ負ケズの朗読を行った俳優の渡辺謙へのインタビューP.21
　はじめてオークションに関わったことについてなど。

- New Day主催者の村上隆へのインタビュー P.23-29
　今回のプロジェクト、村上隆にとっての日本とアメリカについてなど幅広く。

- 「数字で知るアートマーケットの規模」P.32-35
　例えば、現状の世界のアートマーケットは4兆円程度だが、GDP比では1割弱の日本は1000−2000億円程度であることなど、マーケットにまつわる数字を紹介、説明。

- 「年表でたどるアートマーケットの発展史」P.36-41
　ここ10年間に起こったアートマーケットに関する出来事（高額作品の取引など）を時系列で紹介。

- アートアドバイザーの「アラン・シュワルツマン」へのインタビューP.104-109
　昨今のアートマーケットの最有力プレーヤーでありながら、あまり表に出てくることがないアドバイザー。世界トップクラスのアドバイザーに、そもそもアドバイザーとは何か、そして彼の顧客について、日本の戦後美術の「発見」などを伺った。

日本語によるインタビューを2本（村上隆、渡辺謙）、英語のインタビューを2本（井上光司、アラン・シュワルツマン）、レポート1本、数字についての情報記事2本と全てアートマーケットに関わるものでありながら、幅広いアプローチ、記事スタイルに関わることができ、大変なこと（特に数字周りの情報記事はネタ探し、数字の確認などのためにネットや有料データベースだけでなく、過去10年間のアート雑誌に目を通すために図書館に1週間篭ったりと労力がかかった）もありながらも、とても有意義で勉強になった仕事になった。

個人的には、アラン・シュワルツマンへのインタビューが一番オススメで、一見グローバルなハイブロウのアートシーンの話で日本には関係ないように見えるかもしれないけれど、昨今のアートマーケットのファンダメンタルな変化について示唆に富んだ内容の濃いものになっていると思う。また、50年たった今、所謂欧米において欧米以外の地域の60年代のアートシーンの動向に注目が集まっている状況、そしてそのことでその地域のコンテンポラリーへの文脈が作られつつあることにも若干触れてくれている。

自分が関わった文章以外にも、「アートタクティック」ディレクターの解説、ガゴシアンについて、イヴァン・ヴィルト、イーライ・ブロード、ムグラビ、サーチなど世界の最重要プレーヤーばかりで本当にオススメ。

今号にとりかかる際に、何冊かアートマーケットに関する洋書を読んだのだが、その中でも一番分かりやすく、系統だってマーケットを説明していたのが、「The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art」という本で、ダミアン・ハーストの有名なサメのホルマリン漬けの作品が、ヘッジファンドマネージャーで有名なコレクターのスティーブ・コーエンに$12Mで購入されたエピソード（つまりマネーゲームの神のようなヘッジファンドマネージャーが一見ただのサメのホルマリン漬けにどうして$12Mも出したのかということ）から始まってグローバルアートマーケットを一つ一つ説明していく本。カナダのトロントにあるヨーク大学というところでMBAプログラムのマーケティングと経済を教えているDon Thompsonが筆者。実はこの本を読み終わった後、偶然筆者本人がサザビーズのイブニングオークションで隣に座っていたのがきっかけで知り合いになったこともあり、是非自分が和訳をして日本語版を出版できないかなと考えていたりもする。

The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art

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Don Thompson
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何はともあれ今号の美術手帖、是非読んでください。ちなみにアマゾンのレビューがかなり偏った意見が一つしかついていないことで星1つになっているので、是非読んでレビューを書いてくださいませ。

美術手帖 2012年 01月号 [雑誌]

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"Love Art & Help Japan" について

2011-04-25T17:44:00.018-04:00

3月11日の震災直後の週末は、本当にUSTから流れてくるNHKの放送に釘付けになりながら、唖然とするばかりだった。多分程度の差こそあれ、日本人だけでなく世界中の人がそういう感じだったんじゃないだろうか。ただ、月曜日になると、当然のことながら、ニューヨークに住む人々は、通常通り通勤通学がはじまり、店は普通に開いていて、本当に何事も無かったかのように日常にもどっていった。その中で、日本人の自分としては、頭の中の大きな不安などと目の前の日常に大きなギャップを感じながら、自分には何ができるのだろうかと考えるようになっていった。その間に出会ったアーティストの一人にアートビートは何かやらないのか？と聞かれたことや、日本からたまたまNYに来ていた編集者の人にファッション業界はすでにリアクションを起こし始めているがアート業界はどうなんだと聞かれたことなどもなんらかのきっかけになったかもしれない。

ちょうど、次の週がニューヨークではアジアアートウィークで、主にアンティークだが日本に関連する展覧会、イベントもたくさん予定されていたことで、そのアートウィークでなんらかのファンドレイジングをするべきだと考えた。アジアアートウィークの中心的存在はやはりオークションであり、クリスティーズで日本美術のオークションを統括している山口桂さんには日頃からお世話になっていたこともあり、真っ先に連絡し、企画どころかまとまった考えにもなっていない中で、コンタクトをしてみた。震災のたった10日後に日本美術のオークションを控える山口さんも、何かをしなければいけないという気持ちでいっぱいで、大きく賛同してくださり、数日後のアートウィークスタートに間に合うようにと大急ぎでいろいろと電話とメールで話し合った。

アート業界は他の業界に比べて産業規模も小さいし、またそれを構成するプレーヤーも企業体をなしているのは美術館、オークションハウスくらいのもので、他はアーティスト、ギャラリーと個人事業やそれに毛のはえたようなのが多数集まってなりたっている。ただ各自は小さくとも、それらが繋がることで一つのチャネルとして広がっていくフレキシブルなファンドレイジングキャンペーンということで、最終的には、こちらで募金箱を用意し、アートウィークに参加しているギャラリー、オークション、その他アート施設に置いてもらうことにした。義援金を集めると同時に、日本から遠くはなれたニューヨークでもアートを通じてこの東日本大震災についての認知を高めてもらうのがねらいだった。ニューヨーク中に無数にちらばるギャラリーの受付台を一つのメディアと見立てたわけだ。

震災復興の役に立つ何かをしたい、そこから遠くはなれた自分に何ができるかと考えたときに、自分には直接義援金として送るお金はあまりないけれども、アートビートのメディアと、日々リスティングしているニューヨーク中の1000を超える美術館、ギャラリーとのコンタクト、そしてなにより自営業者として自由に動ける時間はあるなというのが出発点だったような気がする。

募金箱を作るにあたって、J-collaboというニューヨークにおける日本人アーティスト、デザイナーなどを結ぶメディア、イベント活動をしている佐賀関さんが、以前資生堂にお勤めでコスメのパッケージデザインをやっているプロだということで、協力をお願いしたところ、2つ返事でご協力いただけることになった。できるだけコストをかけずに、メッセージが一目で伝わるしっかりしたデザインの募金箱を数十単位で、数日で作るという難題をクリアしてくださった。

まずベースになる箱はダンボール製で主に投票用なんかに使われるのが安くあることを見つけて、最小ロットである50を注文。キャンペーン名を"Love Art & Help Japan”とし、一目でそれとわかる素晴らしイラストを佐賀関さんの知り合いのイラストレーターの方に描いてもらう。キャンペーン名、イラストをシールで印刷し、発送されてきたそれらの箱に貼り付ける。火曜日に動き始めて土曜日にはすっかり50箱が完成した。

まずは、山口さんが中心にアジアアートウィークに参加しているギャラリーに参加をよびかけ、また、自分たちの周りのアート関係者の皆さんに参加、賛同を呼びかけるメールをし、そこから有機的に繋がりのあるギャラリー、アート施設に呼びかけが広まった。同時にNYAB内に簡単なオフィシャルページをつくり、そこをランディングページにtwitter、facebook、メールなどでどんどん呼びかけをしていった。

1ヶ月ほどがたった4月末現在、匿名での参加をしてくれているギャラリーなども含めて70ほどのアートスペースが募金箱を設置してくれている。中でも世界有数の大手ギャラリーのPace Galleryはニューヨーク中の関連ギャラリー8箇所全部に置いてくれている。期間としては、印象派、現代アートのオークションなどもあり、ニューヨークのアートシーンが一番盛り上がる5月いっぱいまで置いてもらって5月末に回収し、日本赤十字に全額を送ることにしている。

このような形での募金活動を日本でさえやったことがなかったのだが、米国でということで、体当たりでやるしかなく、やりながら学ぶことはいくつもあった。まず、美術館や、アートセンターなどの非営利団体は、真っ先に参加してくれるかと思いきや、その美術館の設立目的（現代アートの啓蒙などそれぞれだが）以外の名目でファンドレイジングをすることができない場合がほとんどであり、このような活動にほぼ参加できない。特に米国では、様々な形でこれら非営利団体に税制上の優遇措置が与えられているが、逆に言えば、税の優遇を受けている設立目的の活動内容以外はできないようになっている。考えて見れば当然だが、最初は思いつかない。あとは、大手ギャラリーからの返答で多かったのが、今回の震災はもちろん大変なことで、参加したいのだが、このようなキャンペーンに一度参加すると、世界中で起きている様々な災害、戦争、人道上の問題などからの参加の要請がたくさんあり、言葉は悪いがきりがないので、申し訳ないが参加できないというもの。世界中から外国人が集まってできているようなニューヨーク、まして外国人だらけのアート業界らしいといえばらしいか。このあたりになってくるとそのギャラリーがどれだけ日本に親近感を持っているか、ギャラリー内に日本人従業員がいるか、日本人作家を扱っているか、担当者がどのように判断するかなどで対応は変わってくる。ただ、先進国の日本であまり大きな問題らしい問題が起きない日本人にとってみると今回の震災は未曾有の世界を揺るがす大事件だが、人によっては、それでも経済力のある日本よりも大地震が起きて1年もたっているが復興が進まないハイチのほうがまだまだ助けは必要だと真顔でいう人もいる。あとは現金を入れる募金箱を置いてもらうギャンペーンにあたって、その主催が有名人や有名な企業ではなく、有志の集まりということで信頼を醸成するのが大変かと思ったが、最初に大きな企業でもあり、アート業界で信頼されているクリスティーズが参加してくれていたということでキャンペーン自体の信頼性が担保されたのは大きい。また、米国ではあまり現金を持たずにクレジットカードや小切手を使う場合が多いのだが、オペレーションの簡略化のためにも、草の根活動ということで法人無しで寄付に対する税の優遇などもできないということで、この募金箱はキャッシュのみにしている。それでもこの募金箱を見ることで、震災に対して小切手で大口の募金をしたいという方が結構いて、そういう方にはしっかり税の優遇も受けれるJapan SocietyのJapan Earthquake Relief Fundをすすめてもらうようにしている。あとは、ある数日間の大きなアートイベントに置いてもらっても10ドルしか入らなかったこともあり、目立つところに置いてあっても、アートを見に、買いに来た人が自分とは関係の無い日本の震災への募金箱にお金を入れるというアクションにつなげるのは簡単なことではないが、人がある程度滞留するオープニングなどのときに、お酒をサーブする場所の横に置いておいたりすると、お酒は無料だが、サーバーにチップをあげる習慣があり、財布に手をかけたついでにという一つのきっかけや、何度も募金箱を目にすることで何度目かには実際の募金につながることで、結構お金が集まることも経験上わかってきた。

たくさんのボランティアの方が様々な形でサポートしてくださっていて、募金箱をアッパーイーストサイドからブルックリンまで７０箇所ものアートスペースに持っていっていただいたり、また、アートスペースに置いてもらう以外にも、様々なチャリティーコンサートやアート関連書籍の出版イベントなどでもボランティアの方が箱を持ってみんなに呼びかけることで1日で結構募金が集まっている。また、アジアソサイエティという美術館では、上記の税制上の理由からも震災復興のための義援金集め自体はできないけれど、その呼びかけのためのチャリティーコンサート内でこのキャンペーンについてのプレゼンテーションをする機会をくださったり、自分も運営に関わっていた"We Are One”チャリティー展覧会の一つの企画として、このキャンペーンに大きく賛同してくださっている芸術史家の富井玲子さんが、アーティストの森万里子氏、インゴ・ギュンター氏、DJ Spooky氏に声をかけてアーティストトークを企画してくださり、トークの入場料の代わりに募金をお願いしますというような形でファンドレイジングしたりと、様々な形でこのキャンペーンは広がっている。

かなり長くなってしまったが、キャンペーンをはじめて1ヶ月以上たち、記録のためにも、また他のファンドレイジングにも活かせることが若干あればと思い、できるだけ丁寧に書いたつもり。

以下、このキャンペーンについてのフォトレポートや他の媒体での紹介記事のリンク。

- NY中の様々なアートスペースに設置された募金箱のフォトレポート
- NY中の様々なアートスペースに設置された募金箱のフォトレポート2
- ”We are one”チャリティー展覧会のフォトレポート

- Art in Americaでの紹介記事
- Adrian Favell氏がArt itにて紹介してくれた記事
- NYUでジャーナリズムを学ぶ２年生の大学生がFOXニュースのインターンとしてオンラインの動画ニュースとして紹介しれくれたもの
- キャンペーンの賛同者の一人である芸術史家の富井玲子さんが業界誌の「新美術新聞」５月１・１１日号で紹介してくださった記事

東京でのレクチャーと執筆を少し

2011-04-20T18:35:00.006-04:00

はっと気がつくと自分のブログが最後に更新されたのは去年の8月とは。本当にブログの体をなしていない。

マイルで行くしかなく、いい時期に飛行機のチケットが取れないという消極的な理由で年末年始に1ヶ月以上日本にいたのだが、その際に大小含めて4つのレクチャーをさせていただいたので、そのことと、今年に入って2つ文章を書かせてもらったことなど。

-CAMP 現在のアート＜2010＞「2010年のニューヨークアートシーンを僕なりに振り返って」@ 3331 Arts Chiyoda (December 22, 2010)

CAMPとして恒例になっているらしい企画で、年末にその年を10人以上のアート関係者が振り返る長時間トークに呼んでもらった。ニューヨークで展覧会を見ている身として、2010年なんとなく目立った傾向のようなものを話した。詳しくは後述。12人の最後ということで時間をオーバーしてしまい、みなさんにかなり突っ込まれる。4時間のトーク後、すでに終電はなく、2次会でとても久しぶりに甘太郎的なチェーン居酒屋で朝まで。2次会含めてとても楽しかった。

- 「2010年のニューヨークアートシーン」@ 前橋市立美術館準備室 (January 19, 2011)

学芸員の住友さんが主体になって準備している前橋市立美術館予定地を見学ついでに、トークでもということで、前橋を中心に活動しているアーティストやデザイナーなどのみなさんにアートビートの活動と、CAMP同様ニューヨークの2010年アート的傾向のようなものを話した。前橋は県庁所在都市で市立美術館がない最後の都市だそうだ。建物を建てるのではなく、デパート跡地をリノベーションして美術館になるという今風のやり方。鈍行で2時間弱ということで、午後に東京を出て、10時半頃の終電で帰ってきた。

- 第四回MCDN定期勉強会「アートとWEBサービスの最新動向」@ 慶応義塾大学三田キャンパス (January 20, 2011) 【実施報告】、 Togetterまとめ

慶應でアートマネジメントを教えていらっしゃる岩渕先生と、修士の山本さんが中心になって立ち上げたMCDN=Museum Career
Development Networkの第四回で話させていただいた。この勉強会の趣旨からも美術館やその周辺についての話が多いそうだが、少し話題を広げさせていただいて、ここのところ急に増えていたアート関連のウェブサービススタートアップの動向について話をさせていただいた。TABで新しく出したiPhoneアプリのMuponも東京の美術館への客の誘導チャネルの一つとして事例紹介させていただいた。

- 東京芸術大学芸術情報特論「東京とニューヨークのアートシーンを眺めて」@ 東京芸術大学上野校地総合工房棟 (January 21, 2011)

最後は、藝大にて芸術情報特論という授業の一コマを担当させてもらった。その授業全体を受け持つ城さんに以前声をかけていただいたのがやっと実現。これまたアートビートの活動と、2010年ニューヨークでのなんとなく目立った傾向についての話をした。学生が中心ということもあり、アートビートを始めたころの話を中心に。上野キャンパスの中にある不忍荘という日本家屋を3部屋の旅館に改築したものに1週間泊めてもらい、大学内に寝泊まりするというとても楽しい経験をさせてもらう。

以上4つだが、そのうち3つはアートビート設立秘話的なものプラス2010年のニューヨークのアートシーンの傾向について話したのだが、具体的には、「Anthropology的（文化人類学的）」「パフォーマンス」「ポーランド」「ソーシャルワーク」という4つのキーワードを挙げて、それぞれ4,5人のアーティストをスライドで紹介した。名前を挙げておくと、Anthropology的: Huma Bhabha, Matthew Monahan, Matthew Day Jackson, Joanna Malinowska、パフォーマンス: Marina Abramovic, Tino Sehgal, gelitin, Bruce High Quality Foundation, Aki Sasamoto、ポーランド: Monika Sosnowska, Wilhelm Sasnal, Jakub Julian Ziolkowski、ソーシャルワーク: #class（展示）, #TheSocialGraph（展示）, Lush Life（展示）, Terence Koh。

慶應では、ちょうどヴァーチャルフェアであるVIPが大注目されていたこともあり、VIPや、その他アメリカでどんどん出てきているアート関連のウェブサービススタートアップの紹介をした。詳しくはMCDNの実施報告と、レクチャー中のみなさんのtwitterをまとめたTogetterを読んでいただくのがいいが、旧来の広告収入中心のメディア型ではなく、ショップ型であったり、サブスクリプションベースのアーティストカタログサイトなどが数種類でてきており、どれもはじまったばかりでどれが上手く行くか誰にもわからないが、広告を見込むビジネスは一つも入っていない。急にこれらのサービスが増えている背景の一つに、90年代に金持ちになった金融系の人がアートを買い始め、中にはギャラリーをはじめたような人がでてきたように、なんらかのITベンチャーでお金持ちになったIT系の人たちの一部がアートを買い始め、その中から、アートマーケットの閉鎖性やIT化の遅れをビジネスチャンスと見て自分でサービスをスタートする例が多いということがあるというような話もした。

さて、執筆としては、下記の2つの記事を最近書かせていただいた。

- Na+ Issue #1 P6 「日本のアートを世界に」

上記CAMPの井上さんや女子美で教える杉田さん、キュレーターの崔敬華さんなどが中心になって立ち上げた”芸術生産に関わる人々が「ナショナリズム」について考えるためのタブロイド紙『Na+』”。お固い表題で、最初は本当に筆がすすまなかったが、結局自分が日々行っていることに引き寄せて書くことでなんとか締切りを大幅にオーバーしながらも書くことができた。

- 美術手帖　2011年3月号　P233 「世界初のオンラインアートフェア」

話題になっていたVIPアートフェアについて、フェア後にニューヨークのいくつかの参加ギャラリーにインタビューをして、他のプレスなども参考にしながらまとめた記事。はじめて美術手帖に執筆。

TABとNYABのAndroidアプリケーションがリリース

2010-08-19T09:55:00.003-04:00

TABとNYABのiPhoneアプリを2月にリリースして以来、約半年が経ち、おかげ様で、あわせて約3万人の方にダウンロードして使っていただいている。iPhoneを持っている人で、有料アプリを買うほどアートに興味がある人がそんなにいるとは正直考えもつかなかった。発売前の感覚では、1000と10000の間くらいかなというとてもざっくりとした感覚をもっていた。意外なことに、アート関係者ではなく、自分の同世代のサラリーマンの友達などが結構使ってくれているというのを聞いて本当にうれしい気持ちになる。半年経った今でも、毎日数十から百程度の人がダウンロードしてくれている。

さて、このたび、7月末にTABのそして8月中旬の昨日NYABのアンドロイドアプリを新たにリリースすることができた。機能やデザインはiPhoneアプリとほぼ同じ。たまにアンドロイドアプリって何という質問を受けるのだが、アンドロイドというのはGoogleが提供している携帯電話用のOSで、そのOSを使って世界中の携帯メーカーがスマートフォンを作っている。そのOS上で走るアプリをアンドロイドアプリという。日本ではまだ知名度が低く日本で流通している端末もSony EricssonのXperiaと台湾のHTCの数機種のみだが、近いうちに多くのメーカーから発売されていくはず。アメリカでは、AT&TがiPhoneを独占販売していることもあり、他のオペレーターは対抗馬としてアンドロイド携帯を猛プッシュしていることもあり、HTC、モトローラ、サムソン、Sony Ericsson、LGなどから多様なアンドロイドフォンが発売されている。iPhoneアプリと違って、リンクを貼るランディングページがないので、アンドロイド携帯をお持ちの方は、アンドロイドマーケットにて、"Tokyo Art Beat" もしくは "NY Art Beat"を検索して見つけてください。

TAB/NYABのiPhoneアプリが米国西海岸のデベロッパーによって開発されたのと違い、アンドロイドは日本のデベロッパーによって開発された。きっかけは3月に日本に出張した際に、僕が以前働いていたSony Ericssonの同期たちといつものように飲もうと集まったのだが、面白い後輩がいるからといって紹介してもらったのが、水鳥君だった。彼は入社年で2つくらい後輩で、ソニエリ初のアンドロイド機であるXperiaのソフトウェアエンジニアだったのだが、その開発が終わったあと、会社をやめて友人と二人で、Goldrush ComputingというiPhone/アンドロイドアプリ開発会社をはじめたところだった。ちょうどTABのiPhoneアプリがリリースされた後で、日本でもすぐにアンドロイドの携帯が出はじめるという時期で、水鳥君がTABのアンドロイドアプリ開発に大きな興味を持っていると聞いて、二つ返事でそれやろうということになったわけだ。その後たった数ヶ月ですばらしいアプリを作り上げてくれた。

まだまだ日本でのアンドロイドの知名度が低いこと、端末が少ないことや、そもそもアンドロイドマーケット自体がややカオス的なこともあって、日本語でまともなアプリがまだまだ少ない中、アートというニッチではありながらも、しっかりしたアプリを出せたことで、アンドロイドアプリ業界的には大きく注目していただいているようだ。

昨日とうとうNYABアプリを自分の携帯にインストールしたときには、鳥肌がたつような感じだった。というのも、中堅社員になりつつある自分の同期達が中心になって開発されたソニエリのXperiaに、自分が会社をやめてやってきたアートビートの展覧会情報を使って、これまたソニエリの後輩が会社をやめてつくった会社で開発したアンドロイドアプリがのっていて、これを日々使うのかと思うとちょっとした感動だったわけだ。

兎にも角にも、TAB/NYABのアプリ達をよろしくお願いしますというのと、水鳥君のアプリ会社Goldrush Computingはアプリ開発請負も探しているようなので面白いアプリの企画があれば是非声をかけてあげてください。おすすめです。

キース・ヘリング、アートに関する文章の翻訳について

2010-04-05T19:21:00.004-04:00

私の日々のメイン業務はNY Art Beatの運営なのだが、フリーランスでアートやデザインに関する文章の英語訳、もしくは英語の日本語訳の仕事を頂く機会が結構増えてきた。知り合いのアーティストのポートフォリオ用のステートメント英訳から、全く知らない方からの記事の翻訳、企業や公共機関の仕事まである。

そんな中でも、最近一番大変で、そして一番刺激的で楽しかった日本語訳の仕事を紹介したい。

ナタリー福田さんという方の、ロンドンの大学院での芸術史過程の修士論文で、キース・ヘリングに関するものなのだが、驚くことに、全文が引用だけで構成されていて、固い芸術史の修士論文の形式としては信じられないような、いわば詩的でとてもアーティスティックなテキストなのだ。文学において、50年代にブライオン・ガイシンによって広められ、『裸のランチ』で知られるウィリアム・バロウズなどが多用していたカットアップという手法がキース・ヘリングに大きな影響を与えていたことを背景に、キース自身の言葉、キースのスタジオディレクターの回想、バロウズのテキスト、マティス、デュビュッフェの言葉、キースの作品に影響を与えた書道が結び目となって書道家の寺山旦中、『表徴の帝国』のロラン・バルトのテキストなどがパラグラフ毎にそれこそカットアップで縦横無尽に再接続されて全体としてキース・ヘリングの世界を再構築しようとしている意欲的なもの。これを論文にしようと思い立った彼女もすごければ、これを通した教授陣もすごいなあと関心した。

様々な時代の様々な国の人の口語体、文語体が入り交じって、前後の文脈から切り離されたパラグラフ群を一つ一つ翻訳していくのは、本当に骨が折れる作業であったし、前後の文脈から切り離されていることで、本来的には誤訳になってしまうような部分もあるいは残ってしまったかもしれないが、全体としては一文一文がエキサイティングで、発見ばかり（そもそもキース・ヘリングとウィリアム・バロウズとアンディ・ウォーホルが実際につるんでいたなんて全然しらなかった。）の楽しい仕事であった。

また、偶然かもしれないが、パフォーマンスアートへの機運が高まっているニューヨークで、最近2つもキース・ヘリングの個展（ダイチプロジェクトとトニー・シャフラジギャラリー）があったり、バロウズの裸のランチを1章ごとに独白していくパフォーマンスに出くわしたりとこのテキストの内容に今関わることが偶然ではないような気になる機会がしばしばある。ご本人に許可を得た上で、下記、イントロから第1章の英文、拙訳を交互に。日本語版をさらにブラッシュアップして出版することも考えているそうなので、興味のある方は是非ご連絡(kosukeアットkosukefujitaka.com)を。また、翻訳のお仕事のご連絡も是非。

THE KEITH HARING CUT-UP
The Motion Line in Keith Haring’s Art & Thought.

キース・へリング　カットアップ
キース・へリングのアートと思想における動きの線

INSPIRATION

THIS CUT-UP CONVERSATION ON KEITH HARING WAS PARTICULARLY INSPIRED BY KEITH HARING’S ART, WRITINGS AND INTERVIEWS, JOHN GRUEN’S BIOGRAPHY ON KEITH HARING, BRION GYSIN AND WILLIAM S. BURROUGH’S CUT-UP TECHNIQUE, JULIA GRUEN AND ROBERT FARRIS THOMPSON’S SPIRITS, PLATO’S DIALOGUES AND JACK KEROUAC’S ON THE ROAD.

INITIALLY, CONFRONTING KEITH HARING’S IDEAS WITH THOSE WHICH INSPIRED HIM, AS WELL AS THOSE HE INSPIRED REVEALED INTERESTING. ALSO, THE NATURE OF HARING’S WORK, WHICH DEFIES DEFINITION AND SET MEANING INDICATED THE CUT-UP FORMAT AS THE MOST LOGICAL/NATURAL CHOICE FOR AN INTERPRETATION OF HARING’S ART AND THOUGHT.

METHOD

THE THOUGHTS WERE FIRST COLLECTED THROUGH INTERVIEWS, BOOKS AND MOVIES TO BE EDITED AND PRINTED OUT ON PAPER.
THE THOUGHTS WERE THEN DIVIDED, MARKED AND CUT-OUT ONE BY ONE WITH SCISSORS.
THE BITS OF PAPER WERE LAID DOWN ALL OVER THE FLOOR AND CUT-UP TOGETHER IN ONE LONG ROAD IN AN HOUR AND A HALF TIME, AROUND MIDNIGHT, ON A SATURDAY NIGHT.

OF COURSE, SOME MINOR EDITING HAS BEEN PERMITTED SINCE THEN.

着想

このキース・へリングに関するカットアップの会話は、キース・へリングのアート作品、執筆物、インタビューや、ジョン・グルーエンによるキース・へリングの伝記、ブリオン・ガイシンとウィリアム・S・バロウズのカットアップ技法、ジュリア・グルーエンとロバート・ファリス・トンプソンの精神、プラトンの対話、そしてジャック・ケルアックのオン・ザ・ロードから、ことさら着想を得たものです。

はじめに、キース・へリングの考えと、彼に影響を与えた発想や、彼が影響を与えた発想をつきつけていく作業はとても興味深いものでした。また、定義そのものに挑戦し、型通りの意味付けを拒否するへリングの作品の本質を鑑みると、へリングの作品や思想の解釈としてカットアップの手法を採用することは、一番合理的で、また自然であると考えました。

手法

まず、インタビュー、書籍、映画などから思考を収集して、編集し、紙に印字しました。それらの思考は分割され、印をつけられ、はさみで一つずつカットアップされました。それらの紙片は床中に広げられ、ある土曜日の深夜頃、1時間半の間に、一本の長い道としてカットアップでつなげられたのです。

もちろん、その後、いくつかの些細な編集は施されています。

WILLIAM S. BURROUGHS All writing is in fact cut-ups. A collage of words read heard overheard. What else? Use of scissors renders the process explicit and subject to extension and variation. Clear classical prose can be composed entirely of rearranged cut-ups. Cutting and rearranging a page of written words introduces a new dimension into writing enabling the writer to turn images in cinematic variation. Images shift sense under the scissors smell images to sound sight to sound sound to kinesthetic. This is where Rimbaud was going with his color of vowels. And his “systematic derangement of the senses”. The place of mescaline hallucination: seeing colors tasting sounds smelling forms.

ウィリアム・S・バロウズ　全ての著作物は事実カットアップなのだ。読まれ、聞かれ、再度聞かれた言葉のコラージュ。それ以外のもの？ハサミを使うことでプロセスは露骨になり、またプロセスは拡張、変換可能にもなる。明確で古典的な散文は、再配列されるカットアップによって完全に構成可能だろう。したためられた１ページの文章を断片し、再配列することは、書くということを新しい次元に導くものであり、文筆家が単なる画像を映画的な変動に変換することを可能にするのだ。画像はハサミの下で知覚をずらす。画像を嗅ぎ、視界を鳴らし、音を鳴らし、運動感覚へ。これはリンボーが、彼独自の母音の色で目指していた場所だ。そして彼の「システマティック知覚障害」ででも。メスカリンの幻覚作用空間。色に味が付き始め、音が形状の匂いを嗅ぎ始める。

Keith HARING The way it began, was to draw my tag – tag, meaning signature of what graffiti artists called their name. So my tag was an animal, which started to look more and more like a dog. Then I drew a little person crawling on all fours, and, the more I drew it, the more it became ‘The Baby’. So, on the streets, I’d do various configurations of the dog and the baby. Sometimes the baby would be facing the dog – confronting it. Sometimes, it would be a row of babies, and the dog behind them. I was using these images, always bearing in mind the Burroughs/ Gysin cut-up ideas. And I juxtaposed these different tags or signatures of images, which would convey a different meaning depending on how you combined them.

キース・へリング　自分のタグを描いていくことから全ては始まったんだ。タグ、グラフィティアーティストが自らの名前を叫ぶ署名みたいなもの。僕のタグはある動物だった、それがどんどん犬のようになっていった。それから四足で這っている小さな人間を描いた、描けば描くほどそれは「赤ん坊」のようになっていったんだ。ストリートでは、その犬と赤ん坊を様々に配置していった。時に、赤ん坊は犬に顔を向け、もしくは対決し、時には赤ん坊がずらっと並んだその後ろに犬がいたり。僕はバロウズやガイシンのカットアップのアイデアを常に念頭に置きながらこれらのイメージを使っていた。このいわばイメージによる署名としての様々なタグを並置していったんだ。タグは人々がどのようにそれらを組み合わせるかで違った意味を伝えることができた。

Roland Barthes The text does not ‘gloss’ the images, which do not ‘illustrate’ the text. For me, each has been no more than the onset of a kind of visual uncertainty, analogous perhaps to that loss of meaning Zen calls a satori. Text and image, interlacing, seek to ensure the circulation and exchange of these signifiers: body, face, writing; and in them to read the retreat of signs.

ロラン・バルト　テキストはイメージの「艶を出す」ことはないし、イメージはテキストを「図解する」ことはない。私にとってそのどちらも一種の視覚的不確定性の兆候にすぎなかったし、禅が悟りと呼ぶところのあの意味の喪失に近かったかもしれない。テキストとイメージは織り合いながら、「身体、顔、書き物、そしてそれらの中に表徴の後退を見出すこと」などが指し示すものの循環と交換を確かなものにしようとしているのだ。

MATISSE A musician once said: in art, truth begins when one no longer understands what one is doing, what one knows, and until there remains in you an energy all the stronger because it is troubled, constrained, compressed. One must present oneself with great humility, all white, all pure, and candid, the mind seemingly empty, with a spirit close to that of the communicant approaching the Holy Table. Obviously, one must have all one’s knowledge behind one, and yet be capable of keeping the freshness of one’s instincts.

マティス　音楽家があるときこう言った。アートにおいて、真実がはじまるのは、自分がもはや、何をしているのか、何を知っているのかさえわからなくなったときだ。そこに至るまでは、自分の中で真実は乱され、拘束され、圧縮されることで、ある種のエネルギーとして一層強くなっていくのである。大きな謙遜とともに聖餐台に近づかんとする聖体拝領者の精神のような、一見空っぽの心を持って、真っ白で、純真無垢に、率直に自らを保っておく必要がある。もちろん全ての知識を自らの背後に持ちながらも、自分の本能の新鮮さを保ち続けることができなくてはならない。

アートとお酒

2010-03-24T15:47:00.006-04:00

またもや1ヶ月ほどあいてしまった、、、。

今日朝起きてNY Art BeatのトラフィックをチェックしているとなんとNY Timesから結構なトラフィックが来ていることに気がついた。もしやiPhoneアプリをレビューしてくれた？？？と思って当該ページを見つけるとなんとアートの記事ではなく、"I’ll Take a Manhattan (or Any Other Drink, if It’s Free)"というマンハッタンでタダでお酒を飲むためのテクニック集といった趣の記事の中の多くのアイデアの一つとして、アートギャラリーのオープニングに行って飲もうというときにオープニングを探すのに便利なサイトとしてNYABを紹介してくれていたのだ。もう、これだからNYはいいなあと思える瞬間だ。もちろんNY TimesのアートコーナーでNYABを紹介してほしいけれど、最初に紹介してくれたのが低予算で生活を楽しむためのコーナーなのだ。扱いは小さいけれどそれなりのトラフィックが来る。さすがNY Times。もしかしたらおかたいアート欄よりトラフィックは多いだろうから直接的なリンクとしてはこっちのほうがよかったのかも。

アートギャラリーはオープニングと言って展示の初日に出展アーティストもその場にいて、ワインやビールなどを来場者に振舞うことが多い。これはNYも東京も同様だが、NYのほうがギャラリー数も多ければ歴史も長いのでその認知度はずっと高いかもしれない。それでも、カジュアルにアートが好きなNYの人だってオープニングで出ているお酒が無料なのかどうかで戸惑っている人だって見かける。それをわかっていたって特に日本人にとっては、作品を買うつもりでもないのにオープニングに行ってお酒を飲むなんて敷居が高くてと感じる人が多いかもしれない。でも、これは、アーティストへのお祝いや、顧客へのお礼なんていうのが重要な意味ではなく（まあ、そういう側面もあるだろうが）これによって長期的にはアートファンを作り出す大きな原動力になっていると常々思う。

アートを楽しむ上で（買う買わないは別として）、ギャラリーでお酒を飲むこと（ギャラリーからすれば出すこと）に2つ意味があると思う。一つはもちろん精神的なリラックス。日本にも飲みニケーションなんて言葉があるくらいだから、お酒を飲んで少し自分の精神的なガードを下げることで、日ごろは面白いと思わないかもしれないようなアートがふと面白く思えたり、先入観にとらわれない自由な見方ができるかもしれないことは想像がつくだろう。

そして、もう一つは時間。これは気づきにくいが、こちらのほうが重要かもしれない。お酒は5秒で飲みほすようなものじゃないので、お酒を手にした瞬間、人はそのギャラリーに少なくとも10分程度はとどまることになる。昼間に美術館に行ったり、ギャラリー巡りをしたりするときは、早ければ数秒で1作品を見て通り過ぎているのに、オープニングでは10枚くらいの作品がある1室に30分くらいいたりする。お酒が鑑賞者がゆっくり作品を見るのを即す一つのツールになっているわけだ。

この2つのことで、リラックスした人々が自然にギャラリーに留まり、アートを媒介に自然と知り合い同士、また知らない人ともアートについての会話がはじまることになる。ある作品について、一人で見てなるほどと思ったとしても、それを誰かと話すうちにまた違う発見をすることは本当によくある。これがどんどん積み重なることでアートコミュニティは広がっていく。

最初は、コレクターでもないのにと気後れしてしまうかもしれないが、ご安心を。10年後の自分なんて全くわからないし、もしかしたら毎月アートを買っているかもしれない。かくいう自分も、1999年に1年間、日本の大学を休学してNYの大学にマーケティングを勉強するために留学していたときに、外国人だからバイトはできない、クラブ活動もやらないで結構時間があって、なんとなく友人とオープニングが集まる木曜日にチェルシーに行ってみたら、夜なのに無料でアートは見れるわ、ただ酒（おっと）は飲めるわ、知らないアーティストが話しかけてくるわですっかり楽しんでいて、毎週のようにチェルシーに行くようになった。そして気づいたら東京アートビートをはじめて、勤めていた会社もやめて、NYに引っ越してNY Art Beatまではじめている。もちろん10年前にはさすがにこういうことを今しているとは全く考えもしなかった。

携帯メーカーに勤めていたときの同期を、2年前の101 TOKYOのオープニングに招待したら、とても楽しんでくれたようで、どの作品がというわけではないけれど、ワインを飲んでアートを見るその経験が楽しかった。と未だに言ってくる。お酒を飲んで見るアートはとても楽しいのだ。ちなみに、そうは言ってもギャラリーのオープニングに行くのは抵抗があるという人には渡辺さんという若くて実行力があってどんどんいろんなことをはじめている友達が東京のいろいろなギャラリーで月一のパーティーを開いている。月一にも関わらずアート関係者ではない普通の人がたくさん来るのだそうだ。これも一つのきっかけになるだろう。

変化球のNYABのNY Timesデビューが一気に10年前の自分を、今の活動をはじめるきっかけを思い出させてくれたので、うれしくなってなんとなく1ヶ月ぶりにブログをアップした。

TABとNYABのiPhone Applicationsがついにリリース

2010-02-14T10:59:00.004-05:00

遅れに遅れていたiPhoneアプリをとうとうリリースすることができた。NY時間で2月12日（金）の夜にAppleから承認メールが来たときには久しぶりに大興奮してしまった。2009年のはじめに、西海岸のUIデザイナーのSuzanne GinsburgとiPhoneアプリのコーディングをやているChuck SoperからNYABとTABのアートイベント情報のAPIを使ってiPhoneアプリを作りたいんだけどというオファーがきたことがきっかけだった。彼らは自分達でつくるからデータ使用に関してなんらかの同意をというスタンスだったが、自分たちでもいつかはiPhoneアプリをと思っていた僕たちは、なら共同でつくろうという話にして、初期デザイン、コーディング、調整、コーディングというプロセスをすすめていった。2−3ヶ月で2009年夏前にはバージョン１をリリースする予定だったのが、いつも通り遅れ、じゃあ、9月のオープニング時期に、それもかなわず、11月のTABパーティーに、それもかなわず、年内に、それもかなわず、ついにほぼ1年もかかったがやっとリリースすることができた。難産だっただけに感動も一潮というところだ。TABアプリの詳細はこのページから、NYABアプリはこちらから。

どちらもUIは日・英バイリンガルで、iPhoneのOS言語設定を変更することで、アプリの言語設定も変わるようになっている。NYABのイベント情報など、中身は英語のみ。アプリで何ができるかについては下記だが、これは実際に使っていただくのが一番早い。

-東京（NY）で開催中の500 (600)イベントを、人気度やメディア、エリア、開催日時で並び替え
-「周辺検索」～最寄のイベントを歩いていける距離から地図で表示
-「人気のイベント」～今話題の展示を確認
-地図、方角、開館時間を見ながら目的地に迷わず到着

追加予定機能：ブックマーク機能、検索機能、他のサービスとの連携

iPhoneのGPSを使って、自分の居場所の周辺の展覧会情報をリストアップしてくれて、地図上に10ほどのピンを出してくれるなど、モバイルならでは、またiPhoneならではのビジュアルインタフェースでさくさく使える。今後も少しづつ改良を加えていく予定。アートビートはアート・デザインのイベント情報を提供していくことで、こんなにたくさんのことが起こっているんだということを人々に啓蒙していくのが最終目的ではなく、それを通じて、人々が実際にそのイベントに足を運んで、アート、デザインを見てもらうことが目的で、そのことで結果としてアート、デザインが今よりもっと盛り上がって、面白いものが出てくればという思いで活動している。この実際に足を運んでもらう際のツールとして、このiPhoneアプリは最適だと感じている。TAB、NYABにはスタート当初から携帯用のサイトは用意している。日本ではモバイルからのネットアクセスは5年も前から常識で、今更モバイルなんてという認識が自分の頭のどこかにあったが、良く考えてみれば、日本の携帯で自分が消費していた情報の大半は、新聞記事、乗り換え案内などの文字情報ばかりだった。そこで、TABのようなサイトをブラウズするのは結構手間で、パワーを発揮しきれていなかったように思う。全く同じ情報を提供しているのだが、ユーザーインタフェースが違うだけで、こんなに違うものだと驚く。これも見たい、あれも見たいという気持ちを作り上げるパワーの度合いが、今までの携帯サイトと今回のiPhoneアプリで完全に違うのだ。

早くも、TABのアプリやNYABのアプリを使ってくれている人に出会ったし、twitterでNYABのアプリのおかげで、いつも以上に多くのオープニングに行っているというつぶやきが聞こえてきている。リリースから2日ほどで、TABアプリはアップストアのライフスタイルカテゴリーでトップ、全体でも7位というアートというニッチでも大健闘している、NYABも米国のライフスタイルで31位に入っているようだ。本当に久しぶりにどきどきしている。

iPhoneを持っている人は、もちろん、iPhoneじゃない人は、これを機会に是非乗り換えてでも（笑）。
通常は、米国で$1.99、日本で230円だが、NYABは2月一杯は半額セール中。
TABはこちら、NYABはこちらから。

Tokyo Art BeatのDonationキャンペーンについて

2010-01-26T15:31:00.004-05:00

このブログを読んでいただいている方はご存知の方も多いかもしれないが、先週、Tokyo Art Beatを運営するNPO法人GADAGOへの寄付募集のキャンペーンをはじめさせていただいた。詳細は寄付ページより。是非よろしくお願いします。TABを初期から支えてくれている橋本さんも勇気を振り絞ってArt itで紹介してくれています。

現在、開始から1週間たらずのうちに、世界中の50人以上の方から総額13万円以上の寄付をいただいている。1ヶ月のキャンペーン期間のうちにどれだけご支持いただけるかはわからないが、目標は大きく150万円としている。私は、現在、NY Art Beatの運営をしていることもあり、TABの日々の業務には直接的にはタッチできていないが、NPO法人GADAGOの3人の理事のうちの一人に名を連ねているし、またもちろんTABは自分の子供のような存在でもあるので、できるだけ状況は把握して、手助けができるところはするようにしている。

今のところTwitter経由の告知からしていただいている寄付が大半だ。直接的にTABのtwitterのつぶやきから知っていただいた方、TABをサポートしてくださる有力Twittererの方のRTから来てくださるかたなど。また、Twitter経由で、寄付だけでなく、情報公開が足りないなどの重要なアドバイスもいくつかいただき、まだまだ全然足りないが、急遽NPO法人GADAGOについての記述を追加したりしている。

NPO法人GADAGOは大きく2つのことを行っていて、1つがTABの運営、そして年6回のアートマップの発行で、ざっくりどちらも年間1000万円程度の予算で行っている。支出の内訳としては、サイトのほうが人件費（広報、営業、編集、翻訳）が大半、あとは事務所家賃、そしてサーバー代その他というところ、マップは紙、印刷代が大半、運送費、人件費（デザイン、営業、編集、翻訳）というところで、サイトの中のTABlogの執筆、編集、そしてサイト全体のデザイン、プログラミング、その他多くの部分を無償のボランティアに頼っている。逆にその予算の収入を見てみると、サイトのほうはバナー広告が大半、そしてTシャツを中心とした物販、若干の寄付、マップのほうは、マップ上の広告、記事タイアップが大半、石橋財団からの助成金（3−4割）という内訳になっている。

今回の寄付キャンペーンには2つの側面がある。多くの方の目にはTABは今回はじめて寄付を募っているように見えるかもしれないが、実は、NPO法人で運営するサイトとして、毎年のようにサイト上で寄付を募ってきた。そこでも、運営者から顔の見えるサポーターを中心に若干の寄付をいただいてきた。今回はやはりTwitterというインフラができて、TABもそれを積極的に利用してきたことで、日常的にユーザー、サポーターの方々とのコミュニケーションが発生するようになってきていた。そのインフラの上で、寄付の告知を行えたことで、今までよりもずっと大きな反響をいただけているし、また自分たちに抜けている部分を指摘していただけたりしている。サイトとユーザーの単発のコミュニケーションだったものが、サイトとユーザー、そしてユーザーからユーザーへという複合的なコミュニケーションに変化したようだ。このTwitterをはじめとする各種SNSなどのウェブ上のコミュニケーションツールによって、TABというサイトがそのサイトを超えたコミュニケーションをウェブ上で行えるようになってきたということか。つまり、コンテンツを載せたページを生成して、一部コメント欄などはあるものの基本的なコミュニケーションはメールや電話というウェブ上ではないツールに頼っていた時代から、ウェブ上にコミュニケーションそのものが起こっていくという時代になったのだなあと感じる。

もう一つの側面は、毎年やっていたとはいえ、今年はやはり特別で、キャンペーンページでも強調しているように、TABが財政的にとても厳しい状況におかれてしまったということがある。月並みな言い方をすれば、リーマンショック以降の世界の不況の波はTABにも押し寄せてきていて、サイトのメインの収入源であるバナー広告が2009年にはかなり売りにくくなったのだ。コストのかかる紙のマップをやるから大変で、まずはそれを辞めればいいのでは？というようなご意見もよくいただくのだが、実はマップは、モノが手にとれて、都内アートスポットで10万部というのには結構需要があるようで、未だにウェブよりもずっと実感しやすく広告を売りやすい媒体なのだ。もちろんマップがウェブの顧客をくってしまっているところは若干あるにせよ、結構別のクライアントが買ってくれている部分も大きく、マップをやめればサイトの財務が改善するということはなさそうだ。不況不況とは言いたくないが、結論としては、TABの広告のクライアントである美術館、ギャラリー、アートデザインコンペといった業界は2009年はかなり厳しく広報予算などをカットした影響で、身体的実感の無いバナー広告は真っ先に厳しい状況になり、もっと実感しやすいマップを始めていたおかげでそこの広告に助けられているというところか。

アートビートは規模としてはニッチだし、とても小さいし、ウェブでスタートしたメディアだが、根本的には全世界のメディアビジネスが直面している状況、つまり従来のメディアが頭打ちで、皆がウェブに流れはじめ、あるところでウェブからの収益が上がって従来メディアの減分を相殺してメディアビジネスの損益分岐点が見つかると思っていたのが、どんどん損益分岐点らしき点が下に降りて行っていて、どこで均衡するの？？？みたいな雰囲気の一翼はになっているような気がする。ウェブ前までは、広告のスペースというのは世界中で有限で、それをもとにどのくらいの人が見るかで単価が決まっていたのが、ウェブページがどんどん生成されはじめ、広告スペースが有限ではなくなってきたところで、どうも人のメディア消費時間のほうが有限なんだなと言う感じになって、メディアの単価が全体的にぞぞぞと落ちて消費時間のところでの均衡点を探っているという状況かなと。Avatarみたいに3時間弱のコンテンツを何百億もかけて作って、それを世界中で何億人もの人が2千円払って見るというものと、世界中で何億ページと生成されるページを常にボットでインデックスしていってそれをコンテンツにしていくGoogleのような存在の間で、大規模メディアも僕たちみたいな小規模メディアもコンテンツ生成のコストとその消費の大きさ・質から得られる収入の均衡点を探るためにもがきながら戦略を決めあぐねているということだろう。

長くなってしまいましたが、TABは皆様の寄付を必要としております。
こちらの寄付ページから是非よろしくお願いします。

あけましておめでとうとTokyo Art School告知

2010-01-15T07:55:00.006-05:00

少し遅くなりましたが、あけましておめでとうございます。
ブログは3ヶ月も停滞してしまった、、、。

お正月はできるだけ家族が住む関西で過ごそうとしていて、今年も京都の祖母の家で過ごした。
ただ、12月31日にNYを発って、1月1日に日本に着く飛行機で帰ったのだが、これをやると年越しの瞬間というのが無くなってしまうことに飛行機の中で気がついた。大晦日のお昼くらいにNYを出るときに、日本はだいたい年越しを迎えており、そのまま、飛行機はだいたい時差と同じくらいの速度（つまり地球の自転の速度）で飛行機が移動するので、飛行機がいる場所の時間（アラスカを通るときにはアラスカの時間）はほとんど一定なので、ずっと大晦日の午後なのだが、日付変更線をまたいだ瞬間に1月1日の午後になってしまうのだ。まあ、よく考えれば当然で、今までにNYと東京を何往復もしていて、その間に同じことはいつも起こっているに、年越しという特別な瞬間にそれをやると突然不思議な気分になる。ということで、今年は心情的には年越しはありませんでした。
よく聞かれたのが、年越しのフライトなのだから、シャンパンのサービスくらいあるの？という質問だが、僕たちはANAで飛んだが、何も特別なことは無かった。まあ、それとは無関係にエコノミークラスの座席をプレミアムエコノミーという食事は一緒だけれど座席が一回り大きいものにアップグレードしてくれたので、割と幸せな気分で帰国することができた。

関西では祖母の家で、基本的には何もしないで、美味しいおせち料理を食べて、お酒を飲んでいただけ。
ワイン好きの叔母が、すばらしいワインのセレクションをご馳走してくれて、最高だったのは、なんと、毎年ラベルにファインアーティストを起用しているムートン・ロートシルトの2003、この年は、ロートシルト（ロスチャイルド）家がワイナリーを買って150周年ということで、記念ラベルでアーティストのものではなかったが、味は、ワインは好きでよく飲むけれど高いワインはほとんど知らない僕にも
飛び抜けて美味しかった。

東京に移動してからは、夫婦二人で10日ほども2人の友人の家にお世話になってしまった。東京では、2日間は、人から頼まれて取り組んでいるキース・へリングに関するとても興味深くて意欲的な手法で書かれた英文エッセイ（約40ページ）の翻訳の仕事をみっちりやった以外は、美術館やギャラリーを回ろうと考えていたのに、結局は美術館はほとんど行けず、新しくできたギャラリーをちらほら見に行っただけで、様々な友人とご飯を食べてお酒を飲んでという今までで一番長い2週間も正月気分で過ごすことができた。

僕たちが泊めてもらっていた友人の一人が、建築家/アーティストグループのassistantの有山宙君夫妻宅で、実は彼とは中学校、高校、大学が同じでかれこれ20年近くも友達だ。建築だけではなく、現在だけでも、国際芸術センター青森での展示、京都芸術センターでの展覧会に参加しているし、Pass the Batonという丸の内一号館にできたショップから広がるウェブメディアにも文章を書いていたり、活動はとても幅広い。彼らがお台場の未来館で今行われている「‘おいしく、食べる’の科学展」の会場設計をはじめとするアートディレクションをやっているので、見に行った。会場構成には仕切りの壁はほとんど使わず、何本もの荒縄を張り巡らすことで順路を作り、展示パネルなども荒縄に掛かっている。そのことで入り口から出口までしっかり順路があるにもかかわらず、常に会場全体が見渡せ、そのことで、展示物同士の関係性（食に関するサイエンスの展示なので、科学的関連）をイメージしやすいものにしている。また、美術館、博物館が醸し出しがちな堅苦しさからはとても自由な空間だ。子供が多い展示だが、一つ一つの展示に、触ったり、嗅いだり、何かしらの身体的反応ができるようになっており、開放的な展示空間と合わさって、彼らは奔放に展示空間で遊び、そして意識することなく少し学んで帰ることができていた。

長くなったが、最後に告知。
東京都の東京文化発信プロジェクトと、AITが共同で開催している年間を通じたレクチャープログラムの東京アートスクールの一環として、私もNYから呼んでいただいて、3月にレクチャーを行いますので、是非。

「テクノロジー・情報・身体」
藤高晃右　×　ドミニク・チェン
会場：3331 Arts Chiyoda 体育館（東京都千代田区外神田6丁目-11-14　旧錬成中学校）
期日：2010年3月13日（土）13:00-16:00
入場料：各回一般1,000円、学生／AITメンバー800円　※当日受付にて支払い
申し込みなどの詳細は下記から。
http://www.bh-project.jp/artpoint/lecture/100313-01.html

以前に展示、レクチャーの企画などで仕事もしたことがあり、友人のドミニク・チェンと、東京という街を軸に、ウェブと文化に関するレクチャーになると思います。内容はこれから僕もしっかり考えて用意しようと思いますが、Tokyo Art Beat、NY Art Beat、101 TOKYOで得た経験をもとに、NYと東京の比較、そしてウェブと文化の関わりについて話そうと思っています。会場がなんと2008年に第一回目の101 TOKYOを開催した旧連成中学校に今年の3月にオープンする3331 Arts Chiyoda内の体育館です。なんという巡り合わせ。

9年9月9日オープニング巡りとJames Turrell

2009-09-10T00:54:00.005-04:00

さて、明日は、夏休みあけで1年で一番多くのオープニングパーティーがNY中で開かれる。NYABが把握しているだけでも117ものオープニングが予定されている。チェルシーは多くの人でにぎわうことだろう。今日は、その1日前ということで、チェルシーと日が重ならないようにと計画されたであろう若手ギャラリーが集まるLower East Sideエリアのオープニングデーであった。30−50くらいはあったのではないだろうか。若手ギャラリーが集まるエリアで固まって１日前にオープニングが開かれるなんてまるでアートフェアーのようだが、昨今チェルシーの老舗ギャラリーからの出展が減っているNY最大のアートフェアのアーモリーショーが音頭をとって、来年のアーモリーに出ることが確定しているLower East Sideのギャラリーのオープニングをリストにしてプレスに事前に送るという異例のことも行われた。不況でアートフェア運営が容易ではなくなっていることとともに、Lower East Sideのギャラリー達が重要視されてきているということでもあるだろう。チェルシーに比べれば規模がかなり小さい多くのギャラリーだが、どこも混んでいて、Rivingtonストリートのいくつかのギャラリーを足早にまわったあと、チェルシーで唯一行われた日本でも大人気のJames Turrellのオープニングに行ってきた。

まずは、Lower East Sideのオープニングの中でも評判が良かったSue Scott GalleryのFranklin Evans展の様子を3枚。

ギャラリー内が、様々な紙や日常的なマテリアルで埋め尽くされていて、2階にあるギャラリーへの階段からインスタレーションは始まっている。特筆すべきは、地面のいたるところにしかれたプチプチ音がする梱包材。作品の一部を踏むことで体感するタイプのものはあまり無かったかも。

そしてこのエリアではかなり有力なSalon 94でのCarterによる展示。写真ではわかりにくいが、大きなモノクロイメージ（映画のセットらしい）の上に、ペイントを細かく載せてある。一言でいうと今風。NYだと、こことかTeam Gallery的で、東京だとTaka Ishii Gallery的な雰囲気かなと。

チェルシーほどギャラリーが密集しているわけではないが、ストリートはギャラリーをまわる人達であふれている。

最後は、地下鉄で、大半は明日のオープニングに備えてひっそりしているチェルシーに移動して大御所ギャラリーのPaceWildensteinではじまったこれまた大御所のJames Turrellのオープニングへ。

幾何学模様のホログラムが今回の作品。21世紀美術館、直島の美術館などの巨大なインスタレーションや、越後妻有のHouse of Lightのような作品に慣れ親しんだ日本人の僕たちにとっては少し物足りないかなというのが正直なところ。まあ、ギャラリーの展示としてはこういうのもありかなと。ホログラムは額に入っていて一見1枚のようだがよく見ると５−６枚のレイヤーになっていて見る角度によって形が全然変わる。たまたま知り合いのアーティストにそこで出くわして彼がこの作品のプロダクションに関わったというので少し聞いてみると、単純に見えるこの作品も、オリジナルはある場所で撮影して、それを別の場所でホログラムにして、マイアミで最終作品に仕上げて（彼はここで関わったそうだ）、それをNYに持ってきて展示するという行程に正味3年程度かかっているらしい。

さて、明日の夜は今日の何倍ものオープニングが開かれるので、チェルシーにずっといてできるだけ多くの展覧会に行くつもり。

James Turrell

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アートに関するアーカイブ

2009-09-07T14:44:00.005-04:00

夏休みに訪ねたアーティストのFrancis Cunninghamさんが、滞在中に昼ご飯にと、近所の畑から直送のとてもおいしいトウモロコシをゆでてくれてバターと塩でいただいたのだが、僕がこれまで食べた中で一番おいしいトウモロコシであった。

その様子を撮ったビデオが上のビデオだが、妻がカジュアルに撮った物で、これだけ見るとなんのことはない、アマチュア感あふれるプライベートの簡単な料理説明ビデオで、アーティストの彼はこれをオンラインにあげるのはあまり歓迎しないかと思っていた。それが、80歳の彼やその家族がこれを見て、大喜びで、是非、彼の公式ブログにもこの動画をあげてくれとのことで、あがっている。この反応はとても意外だったが、ポジティブな驚きで、アーティストと、アーティストに関する多くの表象物に関して考える切っ掛けにもなった。

昨今、様々なデジタル技術、情報処理技術、それらのシェア技術が進歩して、アーカイブに関してのハードルがかなり下がったこともあり、アートの分野でも、これまでは作品を美術館で保存して、あとはそれに関する出版物をアーカイブするのがやっとというところから、もっと多くのテキスト、画像、動画、音声、それから作品のマテリアルに至るまで、様々なものが様々な場所、メディアでアーカイブされ始めている。今回、このアーティストによる、全くアートとしてのアウトプットとして意識したものでないトウモロコシ料理ビデオを見て、ああ、こういうものもアートに関するアーカイブに含まれてもいいなあと感じた。アートに関するアーカイブというと、いくらハードルが下がって、特別な技術無しに様々なものがアーカイブできるとあっても、そのアーカイブを作る側には、ある一定の先入観があって、これまでどおり、美術史的、学術的に価値がありそうなものを無意識に選別してしまうし、インタビューという形をとれば、30分ー１時間、とても緊張したアーティストとインタビューワーが、そのアートに関するインタビューを双方が全力でやって、それをしっかり編集したものができあがり、保存されていく。これはこれでとても重要な活動でどんどんされていくべきだが、このトウモロコシビデオのように、直接アートに関係がなくとも、間接的に、アーティストとしての彼、彼のアート作品に対するイメージ、広がりに、幅、彩りをあたえる切っ掛けを見いだすマテリアルが残されていくのも悪くないなあと感じた。

例えば、ゴッホのスターリーナイトをMOMAで見て、すごいと思って、彼に関する本を読んで、彼について、彼の作品について多くを勉強すること、そしてほんの少し、彼の人間味に関する情報を得ることはできるけれども、彼が若者達にトウモロコシを茹でながら、トウモロコシの調理について語っているビデオがもしあったとしたら、作品に対するイメージや距離感もまた変わるし、これはこれでより豊かな情報源になるような気がする。僕の好きなアーティストに河原温さんがいる、彼の作品は、デイトペインティングに代表されるようにとてもミニマルなものだが、同時にとてもパーソナルなものでもある。ただ作品から得られる情報、その他のテキストから僕が知っている情報は、お会いしたこともないので、とても限られている。いつだか、最近、河原温さんは麻雀がとても好きで、ほぼ毎日やっていると聞いたことがある。この一片の情報は、聞くまでは全く想像もしていなかったことだが、一度聞くと彼の作品ともなんとなくぴったりくる気がするし、あの一見無味乾燥なデイトペインティングを見る際に膨らむイメージが全然変わって、さらに好きになってしまった。ご本人はどう思われるかわからないが、誰か河原温さんが麻雀をやっている風景をパーソナルにビデオに撮ってきてくれないかなあ。

こういうビデオで、多分、このアマチュア感、プライベート感、演出無し感というのは重要な要素かもしれない。この感じを鮮明に覚えているのが、ウォン・カーウァイの「天使の涙」で、通常のフィクション映画としてとられているとてもカラフルな画像で、話は続くのだが、唯一、しゃべることができない青年役の金城がはげていわゆる普通のおっさんで、コミカルなお父さんにちょっかいをかけまくる回想シーンが、アマチュアビデオ風に撮られて挿入されている。これはそれも含めて演出だが、これを見たときに感じる感覚、突然演出の裏側、舞台の裏側を見たような気になる要素みたいなものが、美術館や本の中のいわゆる正しい教科書的な歴史の一部としてのアートに少しずつ加わっていくと、これまでの骨としての歴史に、腐らない肉が加わって、アーカイブとしてさらに完成に近づくのではないだろうか。このメタファーはミイラのようなものを彷彿とさせて、ちょっと微妙だが、アーカイブとはそもそもそう言う物で、エジプトのミイラを思い浮かべるか、躍動感あふれる蝋人形館を思い浮かべるか、本物さながらの自然史博物館の剥製のジオラマを思い浮かべるかの違いで、これは完成度の違い。完成されたアーカイブは結果としてやはり「美しい」はず。

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「Style Wars」 70/80年代のNYのグラフィティー

2009-09-01T19:46:00.003-04:00

ひょんなことから、80年代につくられたNYのグラフィティーシーンに関するドキュメンタリーの「Style Wars」を見て、とっても驚いた。NYの地下鉄が走っているシーンではじまるのだが、なんだかSFのようだ。知識として70年代、80年代のNYの街はグラフィティーで埋め尽くされていたというのを知っていても、実際にグラフィティーに塗り込められた地下鉄が走るシーンを映像で見ると全然違った。昔からNYにいる人は、昔のNYの地下鉄はきたなかったんだと言うし、その当時の人達にしてみたらグラフィティーなんて不良少年達がやるもので、迷惑だと多くの人達は思っていただろう。でも当時のヒップホップやブレイクダンスといきいきと編集されたその映像をDVDで見た感想を正直にいうと、美しい、すばらしいだった。今のNYはNYで街として安全だし、きれい（昔よりは）だし、魅力的だが、はっきり言ってこのDVDに映っているNYはずっと魅力的に見える。

日本にはグラフィティーの波は来なかったので、日本で生まれ育った僕には、なんというか写真／映像の世界だが、今でも、NYと東京の違いはと聞かれれば、NYにあって東京にないのはグラフィティーをはじめとするストリートアートです。と答える。知識としては、今のグラフィティーなんて、70、80年代のものに比べれば全然違うことは知っていても。ヨーロッパには、MTVをはじめとするテレビを通じて、80、90年代にはグラフィティーが伝播したようで、数年前に東京オフィスで手伝っていたドイツ人ウェブデザインスタジオのLess Rainは「LRPD Vandal Squad」というオンライングラフィティーペイントツール／ネットワークをだいぶ前に作ってかなり話題になったし、今でもアクティブに参加している人も多い。でも、横で働いていても、日本人の僕にはピンと来なかった。でもこのDVDを見たあとなら、なんとなくピンと来るような気がする。

今のNYのグラフィティーは、70、80年代の本当に素性を隠して町中に描いては消されていくタグの存在主張だけで成り立っていたものとは、大きく変わり、メディア／インターネット／デジタル写真／flickr/google mapなどと補強し合いながらグローバルにスター化して公然と認知され、コマーシャルギャラリーで取り扱われる「アーティスト」の活動になっている。うがった言い方をすれば、ストリートでプロモーションをして、ギャラリーでマネタイズして、最終的にはミュージアムピースになっていく。折しも、パリのカルティエ財団では11月までグラフィティー展をやっているようだ。僕は、このギャラリー／ミュージアムをにらんだ今のグラフィティーアーティストの活動もとても面白いと思うが、このDVDを見て、70/80年代のグラフィティー「ライター」達のストリートでの圧倒的な存在感、ライブ感、十代のぎりぎり感、突っ走り感みたいなのを見て、正直感動してしまった。

そんなんの、常識だよという人も多いかもしれないが、もし見たことが無い方は、是非。

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カタログで振り返る8月のNYアートシーン

2009-08-25T17:39:00.002-04:00

8月は観光客が増えることや、夏で日が長いことで、美術館では毎日のようにイベントが行われるが、いかんせんギャラリーはお休み、またはそれほどめぼしい展覧会をやらないので、なんと言ってもスローだ。みんな1年で一番力が入る9月の展覧会の準備中である。今年は、9月10日、もしくは17日にオープニングが重なっており、どちらの日もNY中で、50−100ものオープニングがある。NYにいらっしゃる予定のある方は是非どちらかの日の6時以降にチェルシーに行かれることをオススメする。

さて、本題。今月で一番すばらしい展覧会は、ブルックリン美術館でのインカ・ショニバレ・MBEの個展だろう。ナイジェリア系イギリス人の彼の作品で特徴的なのは、なんと言っても、Dutch Wax fabricとよばれるアフリカを連想させる派手なテキスタイルをアフリカを植民地化した当時の西洋人の洋服に使ったマネキン作品。ただ、今回初めて知ったのだが、あの誰もが（アフリカ人達も含めて）アフリカを連想するテキスタイルは実はオランダ人達が、東南アジアからアフリカに当時輸入したのが広まったものだそうだ。植民地化に伴う幾重にもからまる関係、イメージを様々なビジュアルで見せる彼の作品は、表層的には知っていたが、この個展という形で見てはじめてその重層性をつかむことができた。ちなみに、彼の名前の最後につくMBEというのは、member of Order of the British Empireの略でイギリス王家から授けられたそうで、植民地を扱うアーティストに、これが授けられたことを皮肉るためにも、この称号を使っているそうだ。シドニー現代美術館、ブルックリン美術館が中心になってキュレーションをし、ブルックリン美術館のあとはワシントンDCに巡回するそうだ。カタログもよくできている。展覧会は９月20日までなので、興味ある方は是非。

Yinka Shonibare MBE Exhibition
Venue: Brooklyn Museum
Schedule: From 2009-06-26 To 2009-09-20
Address: 200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY 11238
Phone: 718-638-5000 Fax: 718-501-6136

Yinka Shonibare MBE

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Rachel Kent Robert Hobbs Anthony Downey
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僕はこの展覧会を見るまで実は、知らなかった作家だが、19世紀後半−20世紀初頭のベルギー人画家ジェームス・アンソール（アルファベットではEnsorだが、カタカナではこう表記するようだ）の大掛かりな回顧展がアメリカではほぼ初めてMOMAで開かれている。回顧展とはいえ、19世紀後半の若い時代の作品がほとんどだが、最初の風景画、静物画からはじまり、なんとなく印象派の影響をうけながら、彼独特の目がくぼんで見えないマスクのような人々の顔がならぶ独特の絵画、ドローイング、プリント作品が並ぶ。日本のものらしき仮面や扇子などのモチーフも登場する。日本では数年前に回顧展がいくつかの美術館を巡回したようだが、知らなかった。MOMAの展覧会は9月21日までなので、まだ間に合う。
James Ensor Exhibition
Venue: The Museum of Modern Art
Schedule: From 2009-06-28 To 2009-09-21
Address: 11 W 53rd St., New York, NY 10019
Phone: 212-708-9400

James Ensor

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Museum of Modern Art
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オルデンバーグと彼の妻で最近亡くなったCoosje van Bruggenのソフトスカルプチャーやドローイングの回顧展が、ホイットニー美術館で開かれている。プレスプレビューでの彼のスピーチも聞くことができた。食べ物や、楽器などを実際よりもかなり拡大したスカルプチャー作品で有名で、最近は、世界中で巨大パブリックアートを手掛けている。日本にもいくつかあるが、有名なのは、東京ビッグサイトの前にある巨大なノコギリは彼の作品。スピーチでは、世界中の自治体と仕事をしてプロジェクトをしていくのは大変だが、芸術史家でキュレーターの彼の妻がマネージャーとして、うまく交渉をまとめてくれたからこそやって来れたと話していた。この展覧会はもうすぐ終わってしまう。カタログは二人で二人三脚ですすめてきた世界中のサイトスペシフィックな巨大スカルプチャー作品をまとめたもの。
Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen Exhibition
Venue: The Whitney Museum of American Art
Schedule: From 2009-05-07 To 2009-09-06
Address: 945 Madison Ave., New York, NY 10021
Phone: 1-800-WHITNEY(944863 Fax: 212-570-4169

Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen: Sculpture by the Way

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Ida Gianelli Marcella Beccaria
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同じく、ホイットニー美術館でダン・グラハムの個展がはじまった。彼の作品は数年前に千葉市立美術館での個展で見たり、また直島にも一つあるし、2年前のミュンスターの彫刻フェスティバルでも見ていたが、いずれも建築と彫刻の間くらいの大きさの作品で、鏡やグレーの偏光ガラスでできた視覚的なトリックを利用した比較的最近の作品だった。今回の展覧会ではそれらの作品も多いが、それに加えて過去のテキストベースの作品、また多くの人の前で行うパフォーマンスの作品のビデオなどもある。今も昔もかわらないのは、自分と他人の視線や自意識にチャレンジしたものばかりというところ。平日に行ったのだが、真っ赤なシャツを来て作品を説明しているご本人が会場内にいた。初めて見たのだが、思ったよりも白髪で年がいっていた。これは始まったばかりで10月まで続く。
Dan Graham "Beyond"
Venue: The Whitney Museum of American Art
Schedule: From 2009-06-25 To 2009-10-11
Address: 945 Madison Ave., New York, NY 10021
Phone: 1-800-WHITNEY(944863 Fax: 212-570-4169

Dan Graham: Beyond

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The MIT Press
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最後はちょうど先週で終わってしまったが、グッゲンハイムで行われたフランク・ロイド・ライトの展覧会。彼がデザインした螺旋状のグッゲンハイム美術館が完成して50周年ということで行われた大回顧展。だが、はっきりいって展覧会はよくなかった。せっかくの50周年だが、不況ということで予算が削られたのか、オリジナルの図面ばかりの展示で、建築モデルもあまりなく、地味な内容。やはり建築展というと、立体をイメージできる映像なり、モデルがないと展覧会という形式としてはかなり弱い。これを考えるとまあ本人が存命とはいえ、オペラシティの伊東豊男展は展覧会としてかなりすばらしかった。今回唯一面白かったのが、彼の後半の人生ではかなり未来志向で、どれも実現されていないが、巨大建築や、都市計画がかなりあり、どれもこれも写真やCGでみるドバイを彷彿とさせる。資料の集まりとしての展覧会ということで、逆にカタログとしては面白いはず。
"Frank Lloyd Wright: From Within Outward" Exhibition
Venue: Guggenheim Museum
Schedule: From 2009-05-15 To 2009-08-23
Address: 1071 5th Ave., New York, NY 10128
Phone: 212-423-3500

Frank Lloyd Wright: From Within Outward

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Francis Cunninghamのサマーハウスを訪ねる

2009-08-24T18:47:00.005-04:00

ブログが1週間もあいてしまった。先週の後半は夏休みということで、知り合いのペインターであるFrancis Cunninghamさんのマサチューセッツ州にあるサマーハウス／スタジオにご厄介になって、ゆっくりすることができた。ニューヨークから北に200キロほどで、車で3時間程度行ったところのSheffieldという地域。上の写真にもあるように、森と畑からなるすばらしく美しい田園地域。アメリカというと、自分が知っているNYのような大都市か、あとは映画で見るような、郊外の住宅地、もしくは西部の荒野みたいな風景しか思い浮かばなかったが、本当にこれは日本で生まれ育った自分にとっては全くはじめてで、しかもアメリカというイメージもうちやぶる驚きだった。彼は基本的にはNYに住んで絵を描いているが、60年代に、ここの元農地を購入して、農家の古い納屋をここに移築してからは、夏にはここに滞在して絵を描いているそうだ。上の写真は全て敷地内、森と草原で何も無いが、アメリカは広いなあと思わされずにはいられない。住んでいるのも納屋というものからイメージするよりずっとすばらしく、木製できれいに古くなった納屋で、中に入ると天井高は6メートルくらいはあり、一部をスタジオにしてある。200年以上前の納屋のようで、柱は槍鉋で削られた手の感覚が残っている堅牢なもの。

このあたりは、トウモロコシが有名な田園地域だそうだが、最近廃業する農家が多く、農家が廃業するたびに、広大な土地がNYの金持ちに買われて、最近は立派な別荘がどんどん建っているそうだ。そういう事情もあり、一見するとのどかで、辺鄙なところだが、夏になると、近くでバレエやコンサートが開かれたりもする。

彼は、所謂アカデミックなペインターで、作品はこちら、最近スタートしたブログはこちら。ちなみに、彼のブログ運営を妻がやっているのが切っ掛けでこのサマーハウスに呼んでもらえた。「カラー・スポット」というテクニックで、簡単にいうと、風景や人体を目で見て、線ではなく、色のグラデーションで視覚をとらえて、超リアリスティックで巨大なペインティングを描いていくというもの。静物、風景、宗教画、そしてヌードをほぼ実物大で描いていて、コマーシャルギャラリーで成功しているわけではないが、ブルックリン美術館にかつて併設されていた学校や、アートスチューデントリーグというアートスクールでペインティングを長い間教えてきた。彼の時代には、特にアメリカということもあるだろうが、ヌードを描いているというだけで、とても批判され、苦心してきたそうだ。若い自分たちには、その辺の感覚はわかるようでなかなかつかめない。今でも、最近までヌードのペインティングをウェブにあげるのをためらっていたそうだ。

この家には、インターネットはしっかり通っているが、今回は夏休みなので、パソコンは持ってこなかったし、来てみれば、携帯も自分の契約しているT-Mobileはこのエリア全域で全く通じなかった。久しぶりに完全にoff-gridの状態で、こんなにすばらしい自然に囲まれて、ゆっくり本を読んだり、散歩したり、彼の長い人生のほんの少しを聞かせてもらったり、もちろんアートについて話したりすることができた。

ギャラリーや、美術館で、本当に多くの、様々な世代のアーティストによるアート展覧会が目まぐるしく変わっていくのを見続けている、アートが目の前を流れていく感覚と、アートの歴史が体内に蓄積されたこの老年のアーティストとほんの数日だが、ゆっくりと過ごして静かにアートをとらえる感覚は、本当に全く違う。現代に生きる身として、どちらがいいというわけではなく、両方の感覚をしっかりとコントロールして両方でアートに接していかないとなあと感じた。日頃、メール、ウェブ、会話、twitterであふれんばかりのアートの情報に身をさらして、そして数多くのアート展覧会であふれんばかりのアートに身をさらしている。それにくらべればほとんど時間が止まっているかのような空間に身を置いてみることで、気がついたり、感じたりすることはとても多かった。目と頭とそして全身でアートをみることができたような気がする。

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国立近代美術館　河口龍夫展の公式twitterへのエールと私見

2009-08-17T19:42:00.004-04:00

有力ブログのネタフルでも紹介されていたように、国立近代美術館の河口龍夫展の公式twitterがスタートしたようだ。アート関係のtwitterアカウントはNPO CAT blogにしっかりまとめていただいているように結構増えてはきているが、都内の主要美術館では初めての試みではないだろうか。そういう意味でも大きなエールを送りたい。ちなみに日本の美術館の初アカウントは愛知県立美術館（去年夏）、これも最近1年間の眠りから覚めて、tweet再開されているようだ。

ただ、今回の河口龍夫展のtwitterアカウントのことを他のtweetで知って、おお、と喜んだのだが、followしようと思って、アカウントのところに行って、少しだけがっかりした。というのも今回の展覧会単体のアカウントであって、美術館自体のアカウントではなかったから。もちろん、初の試みということで、試験的にまずは展覧会単位ではじめてみようということだったのかもしれない、もしくは担当がわかれているのかもしれない、なんらかの事情があったのだろう。ただ、やっぱりこれって展覧会が12月に終わってしまえば、そのアカウントは死にアカウントになってしまう。とはいえ、URLが@KawaguchiTatsuoなので、展覧会が終わればご本人が引き継ぐとか、、、。そもそもfollowerからしてみれば、せっかくfollowしたのに、展覧会が終われば別のアカウントにfollowしなおさなければいけないから、少しfollowに躊躇してしまう。仕事柄、間違いなくfollowしなければいけないような自分でも、そういえば12月までに東京に行くチャンスはなさそうだし、よくわからないがfollowするかどうが一瞬考えてしまった。広報する側の美術館にしてみれば、せっかく12月までせっせとtweetをして、ある程度followerがたまっても、別の展覧会の別のアカウントにその全員をfollowしなおさせるのは無理だろうし、広報パワーの浪費だ。やはり国立近代美術館で一つのアカウントをとって、followerが安心して未来永劫（ちょっと大げさ？）twitter経由で情報を取れるようにしていただいたほうがfollowする側、される側双方にとってロスが少ないだろう。

そう言う意味では、愛知県立美術館は、昨年の夏の単発イベント用のアカウントだったようだが、美術館としてアカウントをとっていたので、それをそのまま再開できている。

これは、展覧会毎に、特別サイトや、特別ブログを開設することにもあてはまる。しっかり美術館のサイトの内部にこれらをうまくとどめておかないと、せっかくそのサイトをブックマークしている人や、ブログのRSS購読者を展覧会毎に集めては失いを繰り返すのは勿体ない。最悪なのは、企画展が終わったら、特別サイトが無くなってしまうケース。せっかく予算をかけてつくったコンテンツをインターネット上においておかないなんて、、、。

なんだかネガティブなトーンになってしまったが、基本姿勢として、美術館がtwitterを始めることはすばらしいと思う。どんどん美術館の中の皆様にはどんどんつぶやいていただきたいし、新しいやり方にチャレンジして、アートと社会との間のコミュニケーションをどんどん創出していっていただきたい。

よく、デザインは社会に解答を与える物で、アートは社会に問いを投げかける物だみたいな言い方がされる。アートを保存する場、アートが起こる場としての美術館、アートそのものから投げかけられる社会への問いを拡声する場としての美術館にとって、ウェブやtwitterはそれを直接問いかけられるすばらしいツールだと思うので、どんどんこれらを利用してまだまだアートに偏狭な社会にどんどん働きかけをおこしてほしい。

アート／twitter関係の過去記事
・アート広報にtwitterを！
・MOMAのtwitterアカウントはダマテンではじまった。

Twitter Power: How to Dominate Your Market One Tweet at a Time

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自分たちでMr. Brainwashのフレーミングをやってみた

2009-08-14T18:11:00.006-04:00

お盆休みという訳ではないのだが、暑い日が続いて、しかも冷房の無い我が家では自分自身はともかく、冬は軽快に動いてくれるMac Book Airが暑さでアップアップで作業効率が悪いこともあり、ブログの更新もちょっと滞ってしまった。

アート関係の仕事をしているにもかかわらず、作品を沢山見るが、部屋が狭いこと、引っ越しがあったことなどもあり、作品はあまり所有しているわけではない。いつもそのうちそのうちということになってしまっている。まあ少しずつということで。

ただ、昨年のマイアミのScope Art Fairで、会場全体を作品で埋め尽くしていたグラフィティアーティストのMr. Brainwashと会場で毎日（アートフェアは来る人は1日だが、ブース内にいると搬入含めると４、５日も会場にはりつくことになる）顔をあわせては話たりしていて、その場で刷っていてたヒッチコックをモチーフにした200のエディションプリントをもらったのを、家に放置していたのを額装することにした。Mr. Brainwashはロスに住むフランス人で、バンクシーやシェパードほどメジャーではないが、マンハッタンを歩けば、このヒッチコックや、アインシュタイン、ウォーホールのパロディ作品など彼の多くのグラフィティが見れる。もらったのは200枚エディションに彼がサインを入れ、いくつかの色のスプレーをその場でスプラッシュしたもの。

昔、一度だけ写真のマットボード作成のワークショップに参加したことはあったが、僕も妻ももちろん額装の中身なんかは知らないが、まあ、見よう見まねでやってみようということで、まずは作品のサイズを測って（35X25インチ、89cmX64cmと割と大きい）、25丁目と6アベニューのガレージを利用して週末だけやっているアンティークのフリーマーケット（売っているのは基本的にはいつも同じ顔ぶれ）に行ってみた。アクセサリー、古着、古いプリント、家具、小物などにまぎれて、１、２軒古い額や絵を売っている店があるのだが、じっくり見て回って、額専門ではなく、何でも屋の壁に一つサイズが良さそうで程度もいい額を見つけた。値段を聞くと先週は150ドルだったが、今日なら85ドルだとかいうので、お、来たなと思って、少し話したが、その日はどちらにせよお金を持っていなかったので、来週また来るよといってその場は分かれた。彼はこういう商品は動きが早いから来週あるかどうかわからないよとか言っていたが、はいはいという感じ。いろいろ他の店などを見て回ってみて、まあ価格はかなりいいことがわかって、次の週、もう一度、今度はお金を持っていって交渉の末70ドルで額を買って持って帰ってきた。実はこの額は僕も妻も、一目見てとても気に入ってしまった。木製に金色の塗料が塗ってあり、きれいに古くなっているというか、ピカピカしておらず、鈍い色、壊れているところはなく、シンプルに見えるが、角の細かい造作もしっかりしている。

さて、作品と額がそろったところで、他に何が必要かとネットを調べたり、作品を持っている人にきいたりした結果、まずは、作品を貼って額に取り付けるための木の板が必要ということで、近所の材木屋で1/4インチの厚さのベニヤを額の内側のサイズである26インチX38インチに切ってもらって買ってきた。材料が9ドルで切り代が2ドル。

紙の作品の大敵は酸ということで、もちろん直接木に作品を貼るのはよろしくないということで、作品と木材の間に、ミュージアムボードと呼ばれる中性の厚紙（これは近くの画材屋では切ってくれないので、大きめのを買って、家で四苦八苦して切る）5ドルと、画材屋の店員と相談して、後々剥がせるタイプの中性両面テープで作品を固定することにした。テープも5ドルくらい。これに、額の後ろに渡るワイヤー（1ドル）、壁に取り付けるフック（3ドル）を買ってきて、１日がかりで汗かきながら、ミュージアムボードを切り、それをベニヤ板にはりつけ、その後かなり慎重にしっかり中心をあわせながら作品をミュージアムボードに貼る。そしてそれを額に取り付けて、小さめの釘6本で額に取り付ける。最後は、ちゃんと水平になるように、水準器が無いので、糸に重りをつけて垂らしその糸に直角になるように水平線を出してフックを取り付け、ついに額を壁にかけることができた。作品の周りにマットをつけたり、アクリルで作品を保護したりというやり方もあるが、僕も妻も、メトロポリタンでのフランシスベーコンのペインティング上のアクリルでさえ気になってしまうくらい、ガラス板、アクリルのあの反射があまり好きではないので、作品保護の観点ではあまりよくないだろうが、作品むき出しにすることにした。

アートフェアや、ギャラリーの展示などを横で見ていたり、実際に手伝ったりすることもあるが、額装から自分でやろうと思うと簡単そうで、いろいろ考えないといけないことに気づく。水平一つ出すにしても、フェアなどではみんな水準器を使っているのだが、自分の家には無いので、はてとなったり、ただ、こういうのも含めて仕事ではない作業というのは楽しいもので、作品への愛着につながったりするような気がする。この大きな額を入れても総額100ドル未満で全て済んだ。額装をしようと決めてからは、美術館に行ってもギャラリーに行っても、どういう額に、どうやって取り付けていて、額をどういうふうに壁にかけているかばかりに気が行くようになってしまった。今回思ったのは、アメリカや特にヨーロッパには、このような古い額が大量に残っているということ。あるものは絵と一緒にあるものは額だけになりながらも、何百年も前から作り続けられてきたこれらの額、そして絵の総量を考えてみたらなんだか目眩がしそうだが、それらがこうやって週末のフリーマーケットでリサイクルされて残っていっているというのもなんだかいい光景だ。

日本では、日本画なので、額のかわりに、襖絵や、掛け軸の装丁が古くからなされているため、額そのもののストックはあまりないので、そもそも古い額を単体で見ることがあまりない。これを機に額をよく見るようになって、つくりの精巧さなどに結構驚くことも多い。見たことがなかったものだからこそ、惹き付けられるし、自分達で額装を完璧で無いにせよ最初からやってみたことでどれもこれも単純だが学んだことは多い。そういえば最近手を動かしてなかったなあと感じた。

アメリカやヨーロッパから古着だけでなく、古い額の輸入をしてもいいかも。

皆さんも、作品を買って、額装もやってみるのも楽しいですよ。

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ジェフ・クーンズのインタビューに考えさせられる。

2009-08-06T17:38:00.006-04:00

The Art Newspaperがジェフ・クーンズに今ロンドンのサーペンタインでやっている個展にひっかけてインタビューをしていて、その中身がいろんなことを考えさせられてなんというかすごかったので、要約しつつ、順につっこんでいきたい。翻訳が主目的ではないので、かなりラフに訳している。興味があれば全文お読みください。どの項目も面白い。

インタビュー記事全文は下記。
"Jeff Koons on his Serpentine show, his inspirations and how his studio system works"
The US artist reveals what he hopes to communicate to the public through his work

Touring Jeff Koons's gigantic Chelsea studio in anticipation of his big summer solo show at the Serpentine in London (until 13 September) is rich in discombobulation. This is partly because the place is just so large: endless cavernous rooms, one after the other, teeming with workers and assistants, more than 120 of them, all hard at work in intense silence producing paintings and sculptures, maquettes and studies, a high-tech laboratory somewhere between a James Bond set and a Warholian super-studio.

チェルシーにあるクーンズのスタジオを案内してもらって、驚きっぱなしだった。というのも、とにかく巨大で、洞窟のように部屋から部屋へと再現なく続いており、120人以上の従業員が静かに黙々と絵、彫刻を制作したり、リサーチをしたりしている。いわば、ジェームスボンドのセットと、ウォーホールのスタジオの中間のような感じ。

120人もほぼフルタイムで雇っていることはなんとなく知っていたが、よく考えてみるとすごい。人件費だけで年間10億円くらいいくだろう。中規模の優良企業なみだ。この辺はダミアン・ハーストや、村上隆もある程度の規模の大小はあれ、同じようなことなのだろうが、これって、歴史上こんな大きいアーティスト工房ってあったのだろうか？ラファエロなんかの時代も工房で巨大ペインティングを描いていたんだろうけど、ここまでの規模を維持できるのは、グローバルな現代ならではなんじゃないだろうか。しかしこれを維持するには、クーンズだけで年間50-100億円くらい売り上げが必要で、それらを扱っているディーラーが同じくらいとってるとなると、世界中の人達はクーンズ作品をコンスタントに年間100-200億円分くらいは買っていることになる。ここ10年くらいはこの調子だったとしたら、1000億円くらい売り上げてるってこと？これありえるのかな？？？マジ？誰？オークションじゃなくて、プライマリーだよね、これ。なんか本当にアーティストっていうのと数字のイメージが合わん。

Indeed it is when Koons runs one briefly through a selection of his art collection on his computer—from the Poussin on loan to the Metropolitan which he keeps as his screensaver, to the Manet, the Courbet, the medieval wooden sculpture, the Pharaonic head, the Magritte and Dalí paintings, the major Picassos—that one realises not only just how rich he must be but how deep his interest is in art history and how obsessively he can talk about one image in intricate detail.

クーンズが持っているコレクションの写真をパソコン画面上で見せてもらった。スクリーンセーバーに使っているのは先日メトロポリタン美術館に貸し出したプッサンで、以外に、マネ、クールベ、中世の木製の彫刻、ファラオの頭部、マグリットやダリのペインティング、ピカソの大作なんかがあり、彼自身がかなり金持ちであるだけでなく、彼が芸術史にどれだけ深い興味をもち、それぞれのイメージについてどれだけ彼が語り込めるかに驚く。

クーンズがオークションなんかで古い有名な作品を買っているのはたまに読んでたけど、そんな持ってんの？彼自身アーティストとして気持ちは分かるけど、ここもなんというかいわゆる成功したアーティスト像というよりは、成功したビジネスマン、資産家という感じ。もちろんジェフ・クーンズってそういうアーティストだよねっていうのは今までも多くの人が言ってきたことだけど、なんかなあ。今アーティストって成功するってすごいことであると同時に、アーティストの才能だけじゃ本当にここまでは持って来れないよね。

The Art Newspaper: Your show at the Serpentine is of the “Popeye” series of paintings and sculptures, which you began in 2002, but a lot of the works are being made here, right now.

Jeff Koons: Some works have been here since 1994, it can take a very long time to complete a series. The “Popeye” series began in 2002 but most of the pieces are only just being completed and shipped directly to the show. Here’s a Triple Popeye painting sprayed completely with a reflective surface, with what looks like a brushstroke, to give that sense of gesture to it, to give a sense of movement, a sort of abstraction.

TAN: All your work has this very long incubation period?

JK: My newest work, that comes after Popeye, is all in production and will take a couple of years to be completed, there’s always this long development time. Basically if I have an idea today I have to wait at least two years [until the work is finished].

The Art Newspaper:　サーペンタインで見せている“Popeye”シリーズの絵や立体作品は2002年くらいから始まっているけど、今もここで作っているようだね？

Jeff Koons:　いくつかの作品は1994年からここにあって、一つのシリーズを仕上げるのにはとても時間がかかる。“Popeye”シリーズは2002年に始まったけど、大半はやっと完成して、この展覧会に送られたばかりだ。

TAN:　全ての作品で、そんなに長いインキュベーション期間があるの？

JK:　Popeyeの次の新作は今製作中だけど、仕上がるまであと２−３年はかかる。いつもこのくらいで、今日アイデアがうかんだら、完成するまでには最低２年かかるよ。

ここは突っ込みどころというよりは、まあこんなもんだろうとは思う。面白いのが、ギャラリストから若いアーティストへのアドバイスとして、例えばギャラリストが一つの作品を気に入ったとしたら、これをもとに最低10くらいのシリーズにしたらという、シリーズ化を強くすすめる場面を何度か見た。若いアーティストは、一つの作品をすばらしいものにしようと無心に作るのだが、それをシリーズにしようとはあまり思いつかないようだ。これは全員にあてはまるとまでは言わないがかなりいいアドバイスだと思う。見る側にとっても正直一つの作品で何か大きな感想を持つことはほぼ無いだろう。ある程度個展なんかでシリーズを見るか、同じ作家の作品をいくつかの展覧会で見ることではじめてなるほどって思うことも多い。ギャラリストとしては１つの単体作品よりはシリーズで10ほどあるほうが売りやすいということもあるだろうが、それよりはシリーズにすることで、作品の裏にあるアイデアが、何回も練られて強められ、洗練化されていくというのもあるだろう。アーティストも作品を客観的に見て、共通点を作りつつ別の作品をつくることで、強いシリーズ作品を作っていける。ジェフ・クーンズほどの巨匠で、フルタイムの120人が働いても2年かかるのだから、一人で全部やる若いアーティストは大変だが、そういうことなんだろう。

TAN: A lot of artists now outsource the production of their work to Asia and you could get this work done at half the price in China.

JK: The studio for me is a sense of family, of community. One of the wonderful things about art is that you don’t have to be so conscious of the bottom line, though you have to be somewhat aware of budget, you’re dealing with the impractical, the impossible, you’re pushing things to the edge. It’s always been important to me to feel self-reliant but at the same time I like the sense of providing for a community.

TAN:　今多くのアーティストがアジアに制作のアウトソースをしている。あなたも例えば中国で半値で作れると思うが。

JK:　私にとってスタジオは家族のようなものだ。アートの素晴らしいところの一つは、お金にそれほど気を使わなくてもいいことだ。もちろん予算なんかは分かっていないといけないが、非現実、不可能を相手にして、どこまで物事を極限まで持っていけるかと闘っている訳だ。常に安心していられることは私にとって重要だし、コミュニティーに何かを提供しているような感覚も重要だと思う。

まず、質問そのものに驚く。今やみんなアジアで作ってるんだからって、、、。すごいなiPodだけじゃなかったんだな。アート業界で中国中国って言っているのは、高い中国ポップペインティングの生産地としてと、西洋アートの巨大潜在マーケットとしてかと思っていたが、実は、世界の工場としても重要だったのか。これは、もう完全に製造業の水平分業か垂直統合かとかそういうことがアートを語る一つのファクターになりつつあると。日本の芸大で、デッサンとか彫刻がうまいかどうかで合否を判断している場合ではないかも。そしてクーンズの答えもまたすごい。アメリカンアパレルみたいだな。

全体のやりとりからかなり意図的に取り出した。アート的にもっと真面目な、彼の作品に関すること、彼のコレクションと彼の作品の関係などもふんだんに入っているので、上記の記事全文読んでも面白い。しかし、わかっているつもりだったが、本当にアートが、需要側、供給側ともに産業化している感じが否めない。ビジネス誌でのCEOとのインタビューにも聞こえてくる。そのうち、ファッション業界よろしく「ジェフ・クーンズ2012秋冬」とかいうようになるのか。アカデミックなアートクリティックはこのようなジャンルをほとんど評価していないという声も聞くが、客観的に見て、アートクリティックやキュレーターと、アーティストの力関係がどうもバランスが取れていないように見える。歴史は残っていくもので作られていくとしたら、巨大なものを沢山作れるものが残っていくのか。

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ハウストンストリートでのオス・ジェメオスの壁画

2009-08-05T18:55:00.006-04:00

Lower East Sideのハウストンストリートとバウエリーの角の北側にブラジルの双子ストリートアーティストのOs Gemeosの巨大壁画が確か2週間ほど前からできている。

オス・ジェメオスは去年、かなり大掛かりな個展をソーホーのDeitch Projectsというギャラリーでやったのを見たのが展覧会としてははじめて。その前もグラフィティとして見たことがあったような気がする。

この壁画の場所は、直前まで、キース・ヘリングの大きなグラフィティが描いてあった。つい最近のことなので、もちろん本人が描いたのではなく、復元されたものだったそうだ。この場所についてや、82年にキース・ヘリングが描いている様子などは、クールハンティングのこの記事が面白い。

多くのブログや、普通のメディアでも結構紹介されているし、また普通に人通りの多いところなので、写真を撮る人のあとはたたない。今日はテレビの取材まで来ていた。

グラフィティ、ストリートアートとかいうと若者が、みたいなイメージだが、ニューヨークでは80年代のそれこそキース・ヘリングの時代からあるわけで、その当時若者だった人達は、今やおじいさん、おばあさんになりかけているくらいか。ニューヨークのいいところ（そして東京にはあまりないところ）は、そういう当時の若者が、気持ちは若く保ちながら歳をとって、それなりの地位にいて、今のアートの手助けをしているところだ。ストリートアートまでもが美術館、コマーシャルギャラリーのフィールドに割と自然に取り込まれるわけだ。そう考えてみたら、ビデオアートとグラフィティってアートのジャンルとしては同じくらい新しくて、そして古いわけだ。

The Warhol Economy: How Fashion, Art, and Music Drive New York City

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どうすればデジタルでユニークピースが作れるのか？

2009-08-04T15:02:00.003-04:00

Photo: Aneta Glinkowska

今日は、全然まとまっていないし、答えもないが、よく考えることについて、下記散らしてみる。

最近、といってもここ１−２年、アートフェアをやったりしたせいもあって、若いアーティストやその周辺の方から、相談を受けることがある。そして、結構多いのが、デジタルメディアで作品を作り上げるアーティストがどうすれば、コマーシャルギャラリーでそれを扱ってもらえて、販売でき、うまく流通していくのかというようなもの。

ビデオアートはもちろん、最近はペンやブラシで描くよりも、マウスやタブレットで描くほうが身体的に自分にフィットするのでということでドローイングを全てデジタルで作り上げるアーティストも多いようだ。そこで、問題はじゃあ、売り買いがしやすいアウトプットのモノとしてのアート作品をどのようにしあげるかというところ。

この質問は、本来的にはギャラリストに聞くべきだろうが、多分答えはバラバラだろう。これはとても難しい問題だ。一方で、「アートとデザインの大きな違いは、自分の表現の発揚としてのアート作品と、クライアントと共に作り上げていくのがデザイン。」とかいう声があって、技術革新とともに、自分に一番あった一番面白い表現方法、制作方法としてデジタルを見つけてしまった若いアーティストが作品を作って、気がつくのは、デジタル作品をデジタル作品として見るのが一番いいけど、売り買いはしにくいなあ、どうやってアウトプットする（パソコンから出す）かなあ、DVD？プリント？？？みたいなこと。

そもそもエディションって名前の知れている作家のものなら、廉価版的に意味があるが、そうでない場合、エディション作品でキャリアをつくっていくのは結構大変だと思う。そこで、結局、最終アウトプットのどこかであるひねりをいれることで、うまくその作品をユニークピースたらしめないといけない。このユニークピースであることって、案外難しくて、いや、これプリントなんですが、エディション１なんでユニークですという宣言はなんかあまり説得力がない。これは作家作家で生み出していく必要のあることだろうが、最後に実際の手を使うか、材質にこだわって、一点しかないようなもの（どこかで拾ったとか、古くてこれしか残ってないとかなんとかかんとか）にアウトプットするか。

なんとなく、ヒントになりそうなことを下記に。

ちなみに村上隆のペインティングは構図などはデジタルでつくられ、それを多くのアシスタントが正確無比にペイントすることでユニークピースたらしめている。絵の裏側にはペイントしたアシスタントの名前がずらずらっとクレジットされているとどこかのミュージアムトークで聞いた。これは結局手でペインティングに仕立てる感じ。

上の写真がそうだが、ギャラリーが並ぶチェルシーのストリート上で、タイプライターで詩を書いて売っている人がいる。タイプライターってよく考えたらその場で売っちゃったら完全にユニークピースになる。これってタイプしたものをあとで展示で見てもあまりユニークピースだとは感じないんだけれど、実際に目の前でタイプしてそれをハイと渡されるとそこで完全にユニークピースになるような気がする。これは行為／制作を見せる、付け加えることかなと。

ソーホーには天気がよければたくさんのアーティストが作品を並べて売っている。ペインターの人は絵を並べたり、キャンバスだけはずして持ってきていたりしている。その中で、そこを通る人々のポラロイド写真を撮っている人がいる。単純にポラロイドだと観光地でのそういう人達と変わらないが、彼の場合、ポラロイドで客のポートレートをソーホーの古めかしい建物をバックにとって、ポラロイドのエマルジョンを剥がして彼独自のテクニックで古めかしい厚手のマット紙かキャンパスだったかなにそれを定着させてアンティーク写真のように作り上げる。これはポラロイドという一点性を感じさせる材料にひとひねり加えたユニークピース。

時代が、アナログとデジタルの狭間にあるので、アートもメディアも試行錯誤するしかないかと。

金と芸術なぜアーティストは貧乏なのか

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英語アートメディアの中国語展開

2009-08-03T17:13:00.008-04:00

先日、「Discovery　Channel，百度と組んで中国語版サイトを開設」というブログ記事を読んで、そういえばアート雑誌のArt Forumにも英語以外で唯一中国語サイトがあったなあと思いだした。上記記事によると、

Discoveryのように，欧米の有力メディア企業はオンライン市場のグローバル展開に動き始めている。そのグローバル展開では，やはり中国とインド市場に注力することになる。インドは英語圏としてビジネスができるので参入が容易だが，中国ではコンシューマー向けサービスとなると中国語化が欠かせないし，政府の規制にも対応しなければならないため面倒である。

　だが中国参入は不可欠となってきた。 China Internet Network Information Centerによると，中国のインターネット人口は6月末に3億3800万人に達した。世界最大のインターネット人口を擁し，さらにこれからも増え続けていくだろう。Discovery　Channelが，この強大な中国市場で躍起になるのは当然かも。

このことは、何もDiscoveryのように大きなメディアだけではなく、アートメディアのようなニッチメディアでも起こっている。今のところ、Art Forumだけだが、先日ミーティングをした別のニューヨークの有力アートメディアの人も、「うちもついに国際展開をすることにした。」といきまいていて、聞けば中国語版のサイトを年内にもオープンするとのこと。ヨーロッパの人は英語でいいし、インドはまだ少しアートマーケットは小さめだし、そもそも英語で大丈夫だしと、英語の次に翻訳するとすれば、当然中国語のようだ。こういうアメリカのアート関係者からの視線という文脈の中には日本とか東京は出てこない。

日本のアート業界の人達の中には、西洋に対して、日本はアジアでのリーダーシップを発揮していくべきだという意見を持っている人も多いようだが、覇権主義的な意味では、時既に遅し。もう少し地に足のついた形でじっくり「日本」のアートの国際的な地位向上を目指していく必要があるだろう。

そういえば、Art Forumに、森美術館のアイウェイウェイ展の紹介記事が出ていたので、読んでみたところ、クリエイティブコモンズのことなど一切出てこないことにかなりがっかりした。

最後に、Art Forumがamazon.co.jpで買えるのかと調べてみたら、さすがにこれは買えないようだが、アート雑誌で唯一"Art in America"がアマゾンジャパンに入っていたので、紹介。毎年8月号の美術館、ギャラリーなどが隈無く網羅されたアートガイド号。

Art in America [US] August2009 (単号)

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140文字の美学ー日本語のつぶやきとEnglish tweets

2009-07-30T15:18:00.007-04:00

先日、Loftworkの林さんが書かれた「森美術館が写真撮影を許可したことについての考察」という記事がすばらしいとRetweetしたところ、それを2万人以上のfollowersがいる@nobiさんがさらにRetweetしたことで、僕が確認できるだけでもその後26人の人が連鎖的にどんどんRetweetしていった。RTがどんどん連なっていく様を眺めているだけでもおお、すごいなあと感心したが、それ以上に驚いたのがRTする際に、皆がとても律儀に誰のRTからRTしたのかわかるように@XXXというのがどんどん連なっていったこと。

私は、日頃、個人のtwitterアカウントを主に誰へのtweetかで日本語、もしくは英語でつぶやいており、業務上は、日常的にNYABのアカウントを英語でつぶやき、まれにTABの日本語、英語のアカウントをつぶやいている。そしてどのアカウントでも読むほうは、日本語、英語ごちゃまぜである。総体的には以前はほとんど英語でつぶやいていたが、最近になって日本語でのつぶやきも増えてきたという感じか。そこで上記の連鎖で驚いたのは、英語のtweetsを読んでいると、あのように@XXXというのが続いているのを見たことがなかったから。

考えてみれば、全く単純で、作法の問題というよりは、140文字という縛りが英語と日本語で全然体感が違うだけなのだ。僕は翻訳の仕事をたまにするのだが、ざっくりいうと同じ内容のことを書くのに、もちろん文体にもよるが、日本語1文字に対して、英語2文字弱くらい必要になる。

体感としては、英語でつぶやく時には、140文字なんてすぐに過ぎちゃって、新聞の見出しよろしく、どの部分を切るかパズルを解いてつぶやくことになる。だからもちろん、僕がRTするときにはできるだけ多くの@XXXを入れたいが、通常は一番元のつぶやき主の@しか入れられないことが多い。逆にその体感のまま、日本語のつぶやきを書くと、いつもあれ？まだ字数あまっているという感じになる。自然にできる限りRTの前の人達の@XXXも入れることができる。また、このへんの体感の違いから、日本語ではどこかへのリンクなしで、つぶやき単体である感情や、告知などを説明することができるのに対し、英語の場合だいたいは、事情を説明しているブログなどの記事へのリンクへの導入としてのつぶやきが多い。

英語のつぶやきでどこを切るかのパズルを解く際に面白いのが、切る部分として、まず「主語」。これって日本語ではデフォルトで省略されているものだ。そして句読点や冠詞、冠詞は日本語では必要ない。こうして考えると日本語はtwitterの字数制限にとってかなり「有利」な言語ということになる。「#twnovel - 短歌以上小説未満」によると日本語でtwnovelという140文字で完結する小説がはじまったそうだが、これは日本語ならではではないだろうか。

英語では、いかに新聞の見出しのようにまとめるか、日本語では、いかにそこで小説を完結させるかというところが140文字の美学かもしれない。

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FriezeがリアリティTV「Apprentice」を断る

2009-07-29T17:23:00.005-04:00

全米でオーディションが行われたサラジェシカパーカーのアーティストリアリティ番組が話題になる中、artinfo "Frieze Art Fair Declines an “Apprentice” Debut"によると、イギリス版の「Apprentice」が同様の番組を作ろうとして、最終的な勝者がロンドンのFrieze Art Fairで作品を販売できるというストーリーでFriezeに持ちかけたが、ブースのクオリティが保てるかわからないこと、とフェア自体の雰囲気にマッチしないということでこの話を蹴ったそうだ。まあ、テレビに疎い僕にとっては「Apprentice」といえばいまだにドナルド・トランプの"You are fired."（君はクビだ。）しかイメージにのぼらないからなあ。Friezeが断る気持ちは分かる。

サラジェシカパーカーのほうもオーディションにはどうやらアート界の大物が何名か審査員で出ていたようだが、このような番組を盛り上げるステージ作りのほうはどうなっているのだろうか。3月にアーモリーショーで特別ブースとかだったら笑える。

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カタログで振り返る7月のNYアートシーン

2009-07-28T12:06:00.005-04:00

基本的には日本でこのブログを読んでくださっている方が大半ということもあり、自分が見て、オススメできる展覧会のカタログを月一で紹介していこうと思う。全て、amazon.co.jpにリンクしてあるので、日本から簡単にオーダーできる。もちろん、それで興味を持ってリンクをたどってカタログを購入していただけば、ほんの少し僕に紹介料が発生することになっている。

これはいわずもがな。ロンドンのテートではじまって現在NYのメトロポリタン美術館に巡回しているフランシス・ベーコンの大回顧展のカタログ。250以上の素晴らしい作品写真に加え、多くの識者によるエッセイで彼の個人史、写真、映画など他のメディアからの影響などについてもわかる。

Francis Bacon

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"Francis Bacon: A Centenary Retrospective" Exhibition
Venue: The Metropolitan Museum of Art
Schedule: From 2009-05-20 To 2009-08-16
Address: 1000 Fifth Ave., New York, NY 10028
Phone: 212-570-3951 Fax: 212-472-2764

フランシスベーコンとほぼ同時期にメトロポリタン美術館で行われていて、その陰に隠れた形になってしまったが、シンディー・シャーマン、リチャード・プリンス、シェリル・ルビーン、ジェームス・ウェリングなど欧米では巨匠だが、日本ではまだまだよく紹介されているとはいえない作家達のグループ展。70年代、80年代にNYで彼らが様々な関係をお互いに持ちながら写真、映像、その他のいわゆる新しいメディアを使ったアートを作り上げ始めていたことがわかる。

The Pictures Generation, 1974-1984 (Metropolitan Museum of Art)

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Douglas Eklund
Metropolitan Museum of Art

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"The Pictures Generation, 1974–1984" Exhibiiton
Venue: The Metropolitan Museum of Art
Schedule: From 2009-04-21 To 2009-08-02
Address: 1000 Fifth Ave., New York, NY 10028
Phone: 212-570-3951 Fax: 212-472-2764

キリストが亡くなったのが33歳のときということで、それより若い作家達を世界中から集めて行われた大規模なグループ展。アメリカでは若手のスターと思われている作家から、ほぼ無名の東欧、中東の作家など、幅広い作家が集められているが、ネットをはじめとする様々なメディアが世界中を隈無く駆け巡っている今、文化間の違いよりは世代間の違いのほうがどんどん大きくなってきていることがくっきりわかった展覧会。

The Younger than Jesus Artist Directory

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Gioni Massimiliano Laura Hoptman Lauren Cornell
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"The Generational: Younger Than Jesus" Inaugural Triennial Exhibition
Venue: The New Museum of Contemporary Art
Schedule: From 2009-04-08 To 2009-07-05
Address: 235 Bowery, New York, NY 10002
Phone: 212-219-1222

"12モンキーズ"がリメイクした元である映画"La Jetee"を35ミリの静止画でつくったことで有名な映画監督のクリス・マルケルの写真を中心とした展覧会がチェルシーのPeter Blum Galleryで行われている。過去のスナップ写真から最近の写真を様々な形で加工した作品まで幅広い展示。展覧会自体のカタログはないが、個人的には映画と対で一つの作品として見るべきだと思う"La Jetee"のフォトブックを挙げる。

LA Jetee: Cine-Roman

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Chris Marker
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Chris Marker "Quelle heure est-elle?"
Venue: Peter Blum Gallery (Chelsea)
Schedule: From 2009-05-16 To 2009-07-31
Address: 526 W 29th St., New York, NY 10001
Phone: 212-244-6055 Fax: 212-244 6054

チェルシーのJonathan LeVine GalleryでNYを代表するストリートアーティストのWK InteractとUK(ですよね？）のストリートアーティストのInvaderの大きめの新作展覧会が行われている。WK Interactがフランシスベーコンからどれほどの影響を受けているかしらないが、独学のアーティストでハイアート然としていたアートシーンを嫌っていたフランシスベーコンから、ストリートアーティストのWK Interactが影響を受けていてもおかしくないだろう。

WK Interact 2.5: New York Street Life

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Drago Arts & Communication
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Invader "Top 10"
Venue: Jonathan LeVine Gallery
Schedule: From 2009-06-27 To 2009-07-25
Address: 529 W 20th St., 9E, New York, NY 10011
Phone: 212-243-3822
WK Interact "Motion Portrait"
Venue: Jonathan LeVine Gallery
Schedule: From 2009-06-27 To 2009-07-25
Address: 529 W 20th St., 9E, New York, NY 10011
Phone: 212-243-3822

最後は番外編。Dash Snowという若い作家が薬物中毒で亡くなった。日本ではあまり知られていないが、乱暴に言えば、金持ちの家に生まれたドロップアウト型のアーティストで、グラフィティーにはじまり、2007年にはギャラリー内に、シュレッダーされた電話帳を大量に敷き詰めた室内で、ドラッグでハイになった彼やその友人達がハムスターのように振る舞うインスタレーション／パーティーで有名。多くのメディアが報じ、NY Timesは2つの記事を寄せている。そのうちの一つから引用。

Jacob Lewis, the director of Pace Prints Chelsea, said, “Some people think of him as the Kurt Cobain of the art world. Other people think of him as the Paris Hilton.”

Dash Snow: Polaroids

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Peres Projects, Berlin/Los Angeles
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"Dash Snow, East Village Artistic Rebel, Dies at 27"
"Terrible End for an Enfant Terrible"

New MuseumのBlock Party

2009-07-27T09:52:00.003-04:00

先日の美術館での写真撮影についての記事は、多くの方にRetweetしていただき、またはてなブックマークを通じてすごい数の方に読んでいただけたようで、とてもありがたい。日本の美術館のコレクションについて、そもそも展覧会の写真撮影についてまだまだ書きたいことはあり、今後少しずつ折りをみて書いていこうと思う。

今日は少しローキーな話題。昨日は日曜日ということもあり、先週丁度展示がかわったばかりということもあり、そして何より近所の公園でBlock Partyとしているということを誰かのtweetで知って、New Museumに行ってきた。新しい展示は、どれも割と政治的で、どれもうまくまとまっているいい意味でNew Museumっぽくなく大人な展示。

Block Partyというのはアメリカで週末によく行われる地域密着型のパーティーで、語源的にはあるブロック、ストリートを車両通行止めにして、そこで屋台を出したり音楽をかけたりして近所の人が楽しむというようなもの。今回のNew Museumのものはストリートではなく、近くの公園の一部で行われていた。行く前はNew Museumのパーティーだからまたオシャレ系のものかと思いきや、上記写真のとおり、野外にテントをはって、いわゆる普通の人々が行き交い、主に子供向けのワークショップをやっている、かなりローキーなもの。子供達は紙で王冠を作って、公園から美術館へのパレードに参加する。夏の日差しの下でも彼らは大喜びで作っている。また、地元の人にもっと美術館に来てもらおうと、このパーティーに立ち寄った人には手の甲にスタンプを押して、無料で美術館にも入れるようになっている。となりの公園では中国系の地元パーティーが行われていて、おじさんやおばさんがカラオケをしている。

美術館は、近視眼的に、今、お金を落としてくれる人々をターゲットにしたイベントが多いが、長期的な視野に立って、未来を背負う子供達、そしてまずは近所の人達を美術館にできるだけ誘い込もうというこのような地に足がついたイベントも必要なことだろう。まあ不景気で予算がカットされてということもあるかもしれないが、世界的に活躍するキュレーター達もインターン達に混じって、人々に水を配ったり、子供達と紙を切ったりしているのも、単純にいい光景だと思う。

Museum Management And Marketing (Leicester Readers in Museum Studies)

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美術館での写真撮影について（森美術館のアイウェイウェイに触発されて）

2009-07-24T19:51:00.008-04:00

森美術館のアイウェイウェイ展がクリエイティブコモンズのライセンス「表示-非営利-改変禁止 2.1 日本」を採用し、館内での写真撮影を認めたというニュースを確かtwitterで知って、単純に喜ばしいことだと感じた。

例えば、西日本新聞にはこう出ている。
「展覧会の撮影できます　東京・森美術館が試み」

日本を代表する現代美術館として知られる東京・六本木の森美術館は２４日、２５日に開幕する中国の著名アーティスト艾未未（アイ・ウェイウェイ）さんらの展覧会で、観客の写真撮影を許可する取り組みを試験的に始めると発表した。国内の美術館では非常に珍しい試みで、著作権をめぐる議論に一石を投じそうだ。

　森美術館によると、撮った画像は加工せず、非営利目的で使う－などの条件で、誰でも撮影できる。著作権の柔軟な運用を目指す米国の運動「クリエイティブ・コモンズ」の仕組みを採用した。

　国内では、所蔵作品展の撮影を認める美術館が一部にあるが、外部から作品を借用する企画展の撮影は、著作権の問題などからまず認められない。南条史生・森美術館長は「日本の美術館は少し厳しすぎる。知的財産をもっと創造的に使える条件をつくりたい」と話した。

このような記事に対して、ある美術館に勤める学芸員の友人がtwitterで、「今回のアイウェイウェイが話題になるにあたって、日本の美術館では写真撮影が海外に比べて、あまり認められていないという風潮は正しくないという旨（このtwitterを取り上げるにあたって僕はとてもありがたかったし、好意的に取り上げているつもりだが、本人に確認をとってないので、個人を特定できないように内容を意訳した。）」のつぶやきをしていて、1年ほど前の客観的ですばらしいあるブログ記事「本当に館内での写真撮影ができないのは日本の美術館だけなのか」を紹介していた。僕も今回はじめてこの記事を読んで、とても驚いた。この記事は全文をていねいにしっかり読んでいただきたいが、記事でのざっくりとした結論では、

つまり、こういうことだと思います。

* 欧米では著作権の明らかに切れている（作者の死後70年経っている）作品を中心的にコレクションしている美術館はそのギャラリーを基本的に撮影可にしている。
* 所蔵している作品でも、著作権のきれていない=作者の死後70年経っていない作品を中心にコレクションしていることろは撮影を許可しているところとしていないところがある
* 上記に関して、許可しているのは全てアメリカの美術館であることから、著作権の切れていないコレクションを撮影可としているのは、アメリカのみの特殊な事情=美術館での私的複製が公正使用（フェア・ユース）として認められているから？
* 他の美術館から借りてきた作品は例外なく撮影は禁止している
* 日本の美術館もアメリカ以外の美術館の基準に沿っている

こうしてみると日本の美術館だけが特別に厳しく館内撮影を禁止しているわけではないと判断してよいように思いますがどうなんでしょう。ただ一点、東京国立近代美術館とポンピドゥは著作権の切れていない作品の所蔵が多そうだけど、常設を撮影可にしているのは著作権の切れていないものすべて撮影不可シールを掲示しているということなのか、個人的な私的複製ということにしているかのかどうかは不明。近美はこんど注意してみてみないと。

で、私見ですが「日本だけが美術館のかんない撮影を禁止している」という印象が生まれてしまったかのは、近代以降の作品を中心にコレクションしている日本の地方美術館での経験とと欧米の大都市の大美術館での経験を等しいレベルで計ろうとしてしまっているからではないでしょうか。大都市の大美術館と比べるべきは日本では上記サンプルのようなナショナル・ミュージアムなので、そのレベルで比べてしまえば上記の調査の通り、撮影の許可不許可に関しては日本と欧米での基準に差はあまり見つけられないと思います。

ということになっている。一理あるし、これでやや自分の認識を補正しようとしても、やはり自分の経験から来る感覚とあわないなあと感じ、その理由を考えてみた。

1. イメージの問題？
オープンになってきたとはいえ、まだまだ日本の美術館はお固いイメージ（警備員がなんとなく威圧的、係員が無表情とか）があり、行き慣れた人でないと、美術館に入ると、してはいけないことへの注意が先にたってしまう。その結果、実際には写真を撮ってもいい場所でももちろん撮ってはいけないと思ってしまう？？？

2. 広報上、コミュニケーション上の伝達ミス？
一つ目とも関連するが、美術館としては、「日本の美術館では写真撮影が海外に比べて、あまり認められていないという風潮」が強くあることを多分認識していて、それを払拭したいと考えているところもあるだろうが、広報上それをうまく世の中に伝えてこれなかった。ここ数年では、写真を館内で撮ってもいいことが記事になっているのは僕が知る限り、今回の森美術館がはじめて。

3. 「美術館で作品を見る」という言葉の中身の違い
これが、一番重要で、多分これが大きな原因と思うが、そもそも大半の人が、海外の美術館に行って見ているものと、日本の美術館で見ているものが違うのだ。上記の末永史尚さんのブログで、しっかりまとめていただいているが、撮影可なのはその館のコレクションの常設展であることが多い。末永史尚さんの結論ではその中身の古さが違うのではということで、それももちろんそうだが、僕が思うのは、そもそも人々が海外の美術館で見ているのは常設展で、日本の美術館で見ているのは企画展でしょということ。これをきれいに示してくれる資料がある。ご存知の方も多いと思うが、"The Art Newspaper"が毎年発表している展覧会動員ランキングだ。2008年のPDF資料はこちら。以前まで、下の１つ目の表だが、「企画展」の一日あたりの入場者数だけが出ていて、日本の美術館の動員数の多さが話題になっていたが、去年くらいから2つ目の「常設展も含めた」美術館の全館入場者のランキングも出るようになった。2つ目のほうがランキングとしてしっくりくるのではないだろうか。

この2つの表から言えることとして、通常人々が思い浮かべる世界の有名な美術館の入場者の多くは常設展を見ている（ので１つ目の表の上位にはあまり出てこないが、2つ目では上位）が、日本の美術館の入場者の多くは常設展ではなく企画展を見ている。もちろん、このどちらの経験も一言で言えば美術館で作品を見るということになる。だから当然、頻度として日本の美術館では写真を撮れないことが、海外の美術館よりずっと多くなる。だからよく出る日本の美術館はという批判は粗いけれど、経験として致し方ない気もする。

そのことをふまえて、今回の森美術館での「企画展」がCCライセンスで写真撮影可というのはやはりエポックメイキングだろう。もちろん、アイウェイウェイが、自身のブログが常に中国政府から遮断されたりしているということからもこのような事例に感心が特に高く、理解もあったのだろうことは推測されるが、レッシグ教授を呼んでCCについてトークイベントを行ったりと、このことにしっかり取り組んでいる森美術館の取り組みは評価されるべきだろう。

今回の写真撮影の件は一つのきっかけであって、よくよく考えれば、日本の美術館の中身の問題につながる。日本の美術館の入場者の多くは企画展を見ているということは、裏を返せば、日本の美術館の入場者の多くは常設展を見ていないということになる。そもそも美術館というのは（購入もしくは寄付により）アート作品のコレクションを行い、そのコレクションを公開し、人々を啓蒙する場所であるはずが、（うがった言い方で申し訳ないが）日本では、美術館の主な使われ方は、メディア企業が企画／主催共催する（この件に関してはarts marketing.jpの記事参照）巨大企画展の設置場所になっているということに行き着く。企画内容にその美術館の学芸員が大きく寄与しているし、すばらしい内容のものも多いのはもちろんだが、「日本の美術館」のあり方を真剣に考える頃合いかもしれない。

チェルシーの25丁目が韓国アート街化

2009-07-22T19:06:00.004-04:00

チェルシーだけでなく、ニューヨーク中でそれなりの数のギャラリーが閉まったが、そのあとにどんどん新しいギャラリーもできる。今日、夏休みに入る前のチェルシーを少し見て回って、25丁目に、Doosan Galleryが新しくできているのをみて驚いた。

この25丁目には、一昨年、去年と立て続けに、Arario Gallery、Gana Art Galleryと2つの大きな韓国ギャラリーができたが、さすがに今年は不景気で進出はないと思っていたら、３軒目のギャラリーができたわけだ。このストリートには、マルボロ、ハイム＆リード、ボルトラミなど大きなギャラリーが1階にあるが、それらに負けない勢いで３つも大きな韓国系のギャラリーができた。Doosanは日本でいう三菱のような巨大企業複合体で、その支援を受けた非営利のアート施設で、同じビルの上階に韓国の若手ー中堅アーティストをレジデンスさせて下で展覧会をすることでNYで韓国のアーティストをプッシュしていくようだ。現在は、Ararioが取り扱うHyungkoo Leeという2007年にベニスの韓国パビリオンに出ていた作家、Suejin Chungというペインティング、ドローイングの作家、そして以前森美術館でも展覧会をおこなったChoe U Ramの3人がレジデンスで来ていて展覧会をやっている。しっかりコンテンポラリーの一線級が選ばれてきているあたり教科書通りですばらしい。コマーシャルギャラリー、大企業の下の非営利組織が韓国という名の下でしっかりスクラムを組んでニューヨークでアーティストを売り込んでいるというのはすばらしい。

日本のコマーシャルギャラリーの皆さん、大企業のみなさんいかがですか？日本のコンテンポラリーアートをニューヨークで売り込みませんか？

現代アートビジネス (アスキー新書 61)

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もう一つのモビリティ

2009-07-21T19:13:00.003-04:00

Walkmanが発売されて30周年になるらしい。僕は今年31になったので、ほとんど同じ年だ。その間に、いろいろなものが持ち運べるようになったものだ。

今まで、大阪に18年、東京に約10年、そして今ニューヨークにいる。大阪の実家から、神戸の中学／高校に片道2時間（今考えるとすごいな）かけて通っていたのだが、ゲームボーイを買ってもらってゲームがその電車の中でできるようになったときには僕の生活に大きなインパクトがあった。大学で東京に出てきて一人暮らしをしはじめたときには、カセットテープやCDの段ボールを大阪から送る必要があった。もちろん本やマンガも。大学生活中にもCDは増えていったが、会社員生活をはじめて2003年にiPodを買ったときに、全てのCDをリッピングして、CD自体は処分した。その間も本やマンガは増え続け、引っ越しの荷物の半分くらいを占めるようになった。そしてニューヨークに引っ越しするときに輸送費が高いからとかなり絞って本やマンガを段ボールで数箱送った。

これまで、7，8回引っ越しをしている。なんとなくいつでも動けるようにと、モノは増やさないように生活してきたし、実際人にくらべてモノは少ないほうだと思う。

ここにきてKindleやその他電子書籍の普及、過去の書籍のスキャン、活字の電子化で、（今のところリッピングはできないものの）近い将来、なんらかの形で、僕の本やマンガもモノとして残す必要がなくなって大半を処分する日がくれば、僕の生活荷物は、パソコン、いくつかのガジェットと大半は服だけになる。その服だって、H&MやUniqloをシーズン毎のあなたのワードローブだと思えばかなり減る。もちろん寝る、食べる場所は必要で、家がなくなることはないが、ある都市のある家から別の都市の別の家に移るコストはどんどん下がっていく。

モノを持ち出せるという意味でのモビリティがWalkmanやゲームボーイのおかげで大きく向上し、ここにきてインターネット、ipod、Kindleなどのおかげでモノが電子化されていく過程で、自分の家、生活という範囲でのモビリティまでが向上しはじめている。

物理的、社会的重力の大きさは変わらないが、自分の質量を減らすことで、どんどん身が軽く自由になることができるのかもしれない。

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Virtual Art Fairの可能性

2009-07-20T10:39:00.008-04:00

先週の月曜日7月14日に、日本で初めてヴァーチャルフォーラムがネット上でおこなわれた。日経BP主催の「NETMarketing Forum 2009 VIRTUAL」というもので、サイト自体は８月10日まで開いているようなので様子はご覧いただける（ユーザー登録必要かも）。どういうものかというと、6月30日に現実に、品川で開かれたオンラインマーケティングに関するフォーラムのヴァーチャル版。サイト内に、講演が聞ける場所と、各企業の展示ブースがあって、展示ブースでは、簡単なプレゼン動画、展示資料のダウンロード、初日であれば、各ブースのスタッフとチャット（今回はいれられていなが、技術的には音声、ビデオチャットも可能。）して詳しい話を聞いたり、後日のミーティングをアレンジしたりもできる。シリコンバレーとイスラエルに拠点を持つUnisfairという会社がヴァーチャルフェアのシステム提供をしていて、アメリカでは、こういう実際のフォーラムを補完する場合だけでなく、割と大企業が、ヴァーチャル単体で、ジョブフェアをおこなったり、会社が従業員向け、顧客向けの遠隔トレーニングに利用したりされはじめているらしい。

一番のメリットは、実際の展示会より安くあがるということ、遠隔地で来にくい人も、自宅会社から参加できること。また、あらかじめ各自が登録したユーザー情報がチャットなどをする際に名刺交換さながら瞬時にシェアされ、後日わざわざスキャンしたりする必要もなく、そういう意味では実際の展示より便利な部分もある。よくよく考えたら、ウェブで各企業が日々おこなっていることとあまり変わらないが、大きな違いは、イベントとして事前に周到に告知し、その日、もしくは2,3日にそのヴァーチャルイベントに人が集まり、そこではビジネスなので割とオープンに個人情報であったり、会社情報であったりを交換して実際のビジネスにつなげていきましょうといういわゆるフェア、フォーラム的な運営がされていて、新しい人とオンライン上で実際に会うというところが単なるウェブサイトとの違いか。

これをちらっと見たとき、将来的にはアートフェアも、このような補完的なヴァーチャルフェアを用意するようになるのかなあと感じた。ヴァーチャルフェアは安いと行っても、数百万円からはかかるので、予算的には、まだ世界の大きなフェアしか準備は無理かもしれないが、今後システムの価格が下がっていけば、中小のアートフェアで、世界中から客を集める力がないようなところでも用意することで、例えば、日本のアートに興味はあるが、東京までフェアに足を運ぶほど時間がないというような人にも敷居がさがって、まずは覗いてもらえるかもしれない。ただ、オンライン上でどれだけアート作品そのもののよさをアピールできるかどうかはかなり疑問なので、無名の作家を多くの人に発掘してもらうというよりは、すでにある程度知名度のある作家の作品で、作家名、メディア、サイズ、制作年などの情報でそこそこやりとりができるような場合に限られるだろう。まあ、ある程度の不便はあるにせよ、オークションも、電話、オンラインでビッドできる時代なのだから、アートフェアもそうなるかな。

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ヴァーチャルとは何か?―デジタル時代におけるリアリティ

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Sarah Jessica Parker/Bravoのアートリアリティ番組（オーディション当日）

2009-07-18T13:45:00.009-04:00

2週間ほど前にも、サラ・ジェシカ・パーカープロデュースでアーティストのリアリティー番組が計画されているということを紹介したが、ちょうど、今日が、NYで2日あるオーディションの初日１８日ということで、会場に行ってきた。

予想通りというべきか、予想以上というべきか、会場の前には長蛇の列で、となりの公園の周りをぐるっとアーティストの列が取り囲んで、ざっくり500人以上はいただろう。その様子は、上の写真や、NYABに並んでいるアーティスト達のビデオをあげたので、是非そちらをご覧ください。知り合いのアーティストが並んでいたので少し立ち話をしたところ、彼は10時開始の今回のキャスティングに８時半くらいから来ていて、それでも、100番目を少し超えたところ。みんな朝早くからがんばってきていたようだ。

NY Magazineの批評家、ジェリー・ソルツのFacebookのページ上（残念ながら友達しか見れないが）で、多くのアーティストが、４、５日前から、テレビ局からオーディションに参加してくれって電話がかかってきたんだけど、これどうなの？参加するべき？みたいな討論がされている。テレビ局もいいアーティストを集めるために、かなりのアーティストに電話攻勢をかけたようだ。そういうのもふくめて、結果的にはみんな半信半疑ながら、全米で数千人のアーティストはオーディションに来た訳で、バズをつくるのがうまいなあと感じる。

上のビデオを見ていただくのが一番早いが、来ていたアーティストは、以外と若いアーティストだけでなく、白髪の80年代にイーストビレッジでキースへリングや、ロバートメープルソープ達とつるんでいたようなアーティストから、カタカナで「オタク」と書いた鞄をかかえて、Nintendo DSをやっている人、全身裸にボディーペインティングを施した若い女性アーティストなど、本当に多彩。中にはシアトルからわざわざオーディションのためにNYまで来たというアーティストまでいた。アーティストが集まると通常のニューヨーカー以上に積極的で、写真やビデオをとっている僕たちを見つけては、番組関係者かもしれないとどんどん話しかけてくる。彼らと話していると、サラ・ジェシカ・パーカーのって言う話をしている人が多かったので、やはり彼女のネームバリューっていうのは大きくて、アートっていろんな意味で競争激しいなあと一目で思わせられる場面だった。NY在住の日本人アーティストは結構知っているので、何人かとは会うかと思ったが、僕が行ったときにはだれとも会わず。アートライターの藤森さんとは出くわした。賛否両論あるし、周りでも、この番組はただのジョークだといっている人も多いが、何はともあれ、アートがさらに幅広い人の目にふれるには絶好の番組だと思う。

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こんなに楽しい現代美術がわからないという人のための入門書（藤高編）

2009-07-14T15:18:00.006-04:00

昨日、みたいもんのいしたにさんの”こんなに楽しい現代美術がわからないという人のための入門書”という記事を読んでとってもうれしくなった。というのも、いしたにさんは有名ブロガーだが、いわゆるアート関係者ではなく、アートに対しては一般的な人の目線で記事を書いていたから。こういうことってあんまりなかったんじゃないかと思う。有力ブロゴスフィア（この言い回しって古いのかな）で、建築、映画に関するものはたまにあり、まあデザイン関係の話題も散見されるとして、アートに関するものってほとんどなかったような気がする。あっても村上隆のMy Lonesome CowBoyが16億円で落札されたときくらいか。

これに触発されて自分も続けと思って、はたと気がついた。このブログを読んでくださっている方の中には僕がアートについては"よく"知っている人だという前提で読んでくださってる方もいらっしゃると思う。僕は、作品や展覧会そのものはできるだけ見るようにしているし、まあ割と見ているほうだとは思うが、実は、アートに関する本はほとんど読んでいなかったことに今更ながら気がついておどろいた。

さて、それでもその少ない中で、あまり説得力がないが、1冊あげろといわれれば、これ。

アート:“芸術”が終わった後の“アート” (カルチャー・スタディーズ)